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Historia del montaje: el origen de la edición

Una de las tareas más importantes a la hora de realizar una película o cualquier obra audiovisual es el montaje. Hoy viajamos al pasado para compartir con vosotros la historia del montaje, una disciplina que consiste en unir trozos de película siguiendo un orden concreto para dar a la filmación una estructura narrativa. Es decir, la base que aprenderás en un Curso de Edición y Postproducción de Vídeo. ¡Comenzamos!

Historia del montaje: sus inicios

La historia del cine comenzó en Paris a finales de 1895 y en los primeros tiempos, los espectadores se conformaban con ver escenas de la vida cotidiana de la época, por lo tanto, aun no existía el montaje.

Los hermanos Lumiére

Los hermanos Lumière, los inventores del primer cinematógrafo, fueron los primeros que proyectaron varias de esas escenas cotidianas, concretamente la salida de obreros de una fábrica en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren y un barco saliendo del puerto.

En un año los hermanos Lumière filmarían más de diez películas, todas ellas marcadas por la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. No había historia, ni edición.

El éxito de su invento fue inmediato, pero el hecho de mostrar imágenes cotidianas hacía innecesario el montaje de una película y, aunque sus proyecciones fueron aumentando poco a poco de duración, las películas continuarían siendo una serie continuada de tomas únicas unidas por orden cronológico.

Alice Guy y los principios del cine de ficción

La primera persona en dar el salto del cine de demostración al cine de ficción fue Alice Guy, que con su película La Fée aux Choux (El hada de los repollos, 1896) sentaría las bases del cine narrativo. También fue la primera cineasta en mantenerse económicamente a través de la nueva profesión.

Méliès y los orígenes de la ciencia ficción

Posteriormente George Méliès, proveniente del teatro, también se introduciría en la industria del cine, desarrollando nuevas técnicas cinematográficas, sentando las bases del cine de ciencia ficción y creando los primeros efectos especiales.

En 1902, Méliès estrenaría Viaje a la Luna, una película que utilizaba trucos fotográficos para representar el viaje de una nave espacial a la Luna. Finalmente, el entusiasmo de los primeros cineastas por contar historias dio paso al nacimiento del montaje.

¿Cómo surgió la creación del montaje como parte del lenguaje cinematográfico?

Un trabajador del laboratorio de cine de Thomas Edison, Edwin S. porter origina los principios del montaje y Griffith se consolida como el padre de esta disciplina e influye a grandes como Lev Kuleshov. Conoce sus legados.

Edwin S. Porter, la causa del montaje del cine

Ya no era suficiente con retratar la realidad del día a día, un público entusiasta estadounidense también quería consumir historias de ficción. Así que, en este contexto, Thomas Edison, que se había dedicado a filmar películas donde mostraba las actividades cotidianas de la época, decide aumentar la duración de sus cortometrajes y, en su camino para lograrlo, ocasiona los principios del montaje.

La ocurrencia de Porter dio pie al nacimiento del lenguaje cinematográfico y permitió contar historias mucho más complejas.

Edison pidió ayuda a Edwin S. Porter, uno de los trabajadores de su laboratorio de cine. Porter hizo una película revolucionaria: Life of an American Fireman (1903), un film que contaba con argumento, acción e incluso un primer plano. Porter tuvo la osadía de juntar metraje grabado en momentos, lugares y posiciones de cámara distintas, incluso incorporó escenas paralelas, arriesgándose a que el público de la época perdiera el hilo de la historia.

Griffith, padre del montaje

E montaje, tal como lo conocemos hoy en día, llegó de la mano de David Wark Griffith, considerado padre del cine moderno. Griffith fue uno de los primeros en usar el flashback, una técnica que altera la secuencia cronológica de una historia, conectado momentos distintos y trasladando la acción al pasado.

Griffith elevó la técnica del montaje en Intolerancia (1916) intercalando jugando con el ritmo de la trama.

También combinó muchas otras técnicas de la época como; la variación de planos, la inserción, el montaje en paralelo, el travelling y las variaciones de ritmo en la edición con la intención de que tuvieran efecto dramático en la historia que se narraba. Una de las obras más importantes de Griffith fue Intolerancia (1916), una de las película más caras e influyentes de la historia del cine.

Formado por cuatro historias localizadas en momentos diferentes de la Historia de la humanidad, Intolerancia está enlazada por la imagen de una mujer que mece una cuna. A medida que las historias llegan a su desenlace, Griffith con el objetivo de crear tensión en el espectador.

Influencias de Griffith: el uso del montaje alterno

Griffith también inventó el montaje alterno; la yuxtaposición de acciones que suceden en un mismo momento. Con esta técnica, el ruso Lev Kuleshov hizo un experimento; recuperó de una película antigua la toma de la cabeza de un actor e intercaló una toma con un plato de sopa, luego con un niño jugando y el plano de una anciana en un ataúd.

Lex Kuleshov creó el Kuleshov Effect a través de la técnica del montaje alterno.

Cuando mostró la película, los espectadores elogiaron la actuación del actor al mostrar hambre ante la sopa, felicidad con el niño y tristeza con la mujer muerta. Evidentemente no sabían que el actor nunca vio ninguna de las otras tomas. Kuleshov demostró que el simple acto de la yuxtaposición crea una relación entre las tomas. La técnica se conoce como Kuleshov Effect.

Hitchcock lo explica magistralmente en el siguiente video:

Esta y otras técnicas de montaje de Griffith aportaron al lenguaje cinematográfico infinitas posibilidades, cambiando para siempre la historia del séptimo arte.

Películas históricas que destacan por su montaje

Como has visto, el montaje es fundamental para crear una obra audiovisual. A continuación, compartiremos contigo 5 películas que destacan por su edición y montaje.

1 – Ciudadano Kane (1941)

Sin duda uno de los cineastas más influyentes de todos los tiempos fue Orson Welles. En el film Ciudadano Kane, sorprendió a los espectadores con una innovadora estructura narrativa creada gracias al montaje. Welles cuenta la historia de Charles Foster Kane, un magnate de la prensa estadounidense, evitando la tradicional narración lineal y cronológica.

El montaje de Wise permite contar la historia de Ciudadano Kane con saltos temporales, en vez de la tradicional narración lineal.

Una de las técnicas narrativas de Ciudadano Kane es el salto en el tiempo y el espacio a través del montaje. El director usa el mismo escenario tras un corte, pero cambiando la ropa y el maquillaje de los actores, dando a entender que la nueva secuencia ocurre en el mismo sitio, pero mucho tiempo después de la anterior.

Un claro ejemplo es la escena del desayuno.

La película editada por Robert Wise, estuvo nominada a ocho Oscars, incluido el mejor montaje. Finalmente ganó el Óscar al mejor guion original, el único Óscar conseguido por Welles en toda su carrera, a excepción del honorífico de 1970.

2 – JFK: Caso abierto (1991)

El film dirigido por Oliver Stone, que relata las circunstancias que rodearon el asesinato del presidente John F. Kennedy, destaca por sus innovadoras técnicas de montaje. Por eso, Joe Hutshing y Pietro Scalia ganaron el Oscar en esta categoría: para muchos, uno de los más perfectos de la historia del cine.

Stone compone una historia intensa y trepidante combinando filmaciones de lo más variadas; noticias de televisión reales y ficticias de la época, entrevistas, fotografías, color y blanco y negro… Además logra crear una original narrativa mezclando diferentes estilos; documental, suspense, thriller, melodrama…

3 – Memento (2000)

La película de Christopher Nolan cuenta con una de las ediciones más originales y enrevesadas de la historia del cine. Memento está protagonizada por Guy Pearce, Carrie-Anne Moss y Joe Pantoliano y relata la historia de Leonard, un hombre que tras el asesinato y violación de su esposa sufre de amnesia anterógrada (perdida de la memoria a corto plazo).

Memento crea dos líneas narrativas que se unen al final para desvelar todo lo sucedido a lo largo de la película.

Nolan consigue crear en el espectador la misma percepción que el personaje principal mostrando una especie de puzzle psicológico formado por diferentes líneas narrativas; una, en color, que comienza en el desenlace y evoluciona en orden inverso y otra en blanco y negro que, a través de un montaje lineal, narra los hechos en el orden en que van sucediendo.

Al llegar al final de la película ambas líneas argumentales se unen y nos desvelan lo sucedido.

La película fue nominada al Globo de Oro al Mejor guion y a dos Óscar por su guion original y montaje, realizado por Dody Dorn.

4 – Birdman (2014)

Continuamos con Birdman, un film dirigido por Alejandro González Iñárritu. El director mexicano nos sorprendía con una pelicula en el que, a excepción de algunas tomas al principio y al final, parece filmada en un solo plano secuencia, una técnica que consiste en la realización de una toma sin cortes durante un tiempo prolongado.

Evidentemente no fue así y esa sensación se logró gracias a la edición y montaje del metraje en postproducción. A pesar de que algunas tomas llegaron a tener una duración de 15 minutos, la sensación de continuidad se logró realizando cortes imperceptibles para el público; como el paso del protagonista por una puerta, una zona oscura o el movimiento rápido de la cámara (paneo).

5 – El club de la lucha (1999)

En esta pequeña lista de películas que destacan por su montaje, no puede faltar El club de la lucha, entre nuestros títulos favoritos. El film dirigido por David Fincher y protagonizado por Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter narra la historia de un joven oficinista harto de su trabajo y su vida y que sufre de insomnio.

A lo largo de la historia también se incluyen fotogramas que envían al espectador mensajes subliminales y que trata de afectar a su subconsciente.

A excepción del inicio del film, que muestra la escena final de la historia, la trama está narrada por su protagonista de forma lineal. El montaje contiene fragmentos donde se trasmiten sensaciones fugaces y recurre a flashbaks para explicar el porqué de las acciones de algunos personajes que nos desvelan la realidad que está viviendo el protagonista.

Todos estos elementos son difíciles de detectar o asimilar en un primer visionado. Te recomendamos que veas El club de la lucha al menos dos veces y disfrutes de su gran montaje.

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