historia de la producción de audiovisuales

Historia de la producción audiovisual

Vivimos en un mundo de imágenes. Nuestra cultura y nuestra sociedad están constantemente acompañadas de pantallas: ordenadores, tablets, móviles, vallas publicitarias digitales… ¡Parece que siempre han estado ahí! Y sin embargo, la historia de la producción audiovisual es relativamente corta; sobre todo si la comparamos con otras disciplinas con la pintura, la escultura o la literatura.

Lo que hoy conocemos como “medios audiovisuales” se llamaba no hace tanto tiempo “la tele y el cine”. La única pantalla que había en los hogares era la del televisor (o la caja tonta, como la llamaban las abuelas). Ir al cine era todo un acontecimiento: todavía recuerdo la sensación que me causaba cuando era pequeña, una mezcla de ilusión, emoción e incluso miedo.  Y es que la gran pantalla imponía…

Aun así, muchos padres y abuelos que aún viven pasaron su infancia y su juventud en casas sin pantallas. El cine era un lujo, reservado solo para las ocasiones o para familias “con posibles”. Los medios audiovisuales se encontraban aún en proceso de desarrollo; su difusión a gran escala tardaría décadas en llegar.

Vamos a comenzar un viaje cuyo origen se remonta a finales del siglo XIX. Recorreremos la historia de la producción audiovisual, desde sus inicios en la gran pantalla hasta las stories de Instagram y los canales de los influencers de YouTube. ¡El Delorean nos espera!

¿Cuándo aparece el término “audiovisual”?

¡Aguarda un momento! Antes de viajar al pasado siguiendo la estela de los míticos Doc y Marty McFly, vamos a ver de dónde procede la palabra “audiovisual”. El concepto en tiene su origen en los años 30, en los Estados Unidos, relacionado con las primeras películas que combinaban imágenes y sonido.

Fue entonces cuando nació el término; pero en su aspecto más amplio, el concepto se popularizó en Francia en los años 50. En este momento pasa de ser un adjetivo a un sustantivo: aparece “el audiovisual” con entidad propia. Eugenio Vega, Doctor en Ciencias de la Información y en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, define este término como “la integración e interrelación plena entre lo auditivo y lo visual para producir una nueva realidad o lenguaje. La percepción es simultánea”.

Historia de la producción audiovisual: los orígenes

Aunque no lo creas, la historia de la producción audiovisual no comienza exactamente con el cine. ¿Sabías que hay un arte que combina palabra e imagen, y que emergió antes de las primeras películas? Aunque no se trata de una disciplina “audiovisual” al cien por cien (no se puede escuchar), se podría considerar el formato precursor del cine. Por supuesto, estoy hablando del cómic.

El cómic es el “padre” del story board cinematográfico. De hecho, ambos artes nacieron prácticamente al mismo tiempo: el primer cómic considerado como tal, The Yellow Kid, apareció en 1895, mientras que el nacimiento oficial del cine se establece en 1895. Ese año, los hermanos Lumière comenzaron a mostrar sus películas en el Salón Indien de París, con títulos históricos como “La llegada de un tren a la estación de Closat”.

Al tratarse de cine mudo se podría pensar que se trata de un medio visual, pero no audiovisual. No es así: de hecho, las primeras películas mudas estaban acompañadas de música (ejecutada por lo general por un pianista, presente en la sala) e incluso de efectos sonoros creados in situ o narraciones.

A los hermanos Lumière le siguieron artistas tan célebres como Georges Méliès, considerado el creador de la ficción cinematográfica. Sus maravillosas películas, realizadas a principios del siglo XX y basadas en las novelas de Julio Verne, siguen siendo un increíble despliegue de imaginación e ingenio.

Gracias a Mèliés, los espectadores pasaron de contemplar escenas de la vida cotidiana a ser testigos de auténticas maravillas. También está considerado el creador de técnicas cinematográficas aún empleadas, como la sobreimpresión o el stop motion.

No me resisto a invitarte a descubrir su película Viaje a la Luna, producida en 1902: una auténtica joya de la historia de la producción audiovisual que ningún cineasta o productor en ciernes debe dejar de conocer. Doce minutos de arte, imaginación y talento para disfrutar. ¡No te la pierdas!

El montaje y el lenguaje cinematográfico a principios de siglo

A partir del trabajo de los grandes cineastas franceses, el testigo pasó a los países más avanzados y poderosos del mundo: Inglaterra y Estados Unidos. En 1902, la famosa Escuela de Brighton empieza a trabajar con el montaje para crear narraciones. En lugar de grabar escenas y mostrarlas tal cual, las películas se realizaban “cortando y pegando” (literalmente) secuencias para crear una narración. Es más: se empezó a combinar imágenes reales con secuencias de ficción. En este sentido hay que destacar la obra de Edwin Porter, que introdujo en sus películas la acción paralela.

Si hablamos del cine y los audiovisuales de principios de siglo, hay dos nombres que no podemos dejar de mencionar. Por supuesto, me refiero a David Wark Griffith y a Sergei Eisenstein. El primero es el autor de El nacimiento de una nación (1913), una controvertida película cuyo argumento claramente racista no hace menos interesantes sus hallazgos técnicos. Su director fue el primero en emplear técnicas narrativas como el flashback, el montaje en paralelo o la continuidad dramática.

Por su parte, Eisenstein y otros cineastas surgidos durante la Revolución de 1917 hicieron suyos los hallazgos de Griffith y realizaron aportaciones propias, dando un nuevo impulso a la narración cinematográfica. La famosísima película El acorazado Potemkin (1925), considerada hoy día una de las cumbres del cine mundial (cuya escena de la escalera de Odessa todavía resulta sobrecogedora), marcó un antes y un después en la manera de hacer cine a nivel mundial.

Historia de la producción audiovisual: los orígenes

Es más fácil entender la historia de la producción audiovisual a través los hitos tecnológicos que fueron impulsando el arte de la cinematografía hasta el producto que conocemos hoy en día. Ya exploramos por encima el principio, a través del trabajo de los Lumière, pero nos queda un camino de más de un siglo por delante que intentaremos resumir lo más que se pueda. ¡Allá vamos!

  • 1895-1910. La presentación oficial del cinematógrafo de los hermanos Lumière con la proyección de La salida de la fábrica Lumière (1895) marca un nuevo capítulo en la historia de la fotografía hacia el principio de la imagen en movimiento. Todavía no se podía incorporar sonido a la cinta, por eso se conocía como cine mudo. Una de las pioneras en perfilar el lenguaje del cine fue Alice Guy-Blanché, y pronto se unirían otros nombres como George Meliés o David W. Griffith.
  • 1910-1920. Es el boom del cine mudo (aunque diseñado para ser sonorizado con música en directo durante la proyección). Nace Hollywood en las colinas de Los Ángeles, un lugar donde tiene sentido asentar las sedes de las productoras cinematográficas por el clima y diversidad de paisajes donde rodar. Mientras tanto, en Europa, el expresionismo alemán cobra relevancia explorando temáticas oscuras y escenarios distorsionados. El cine soviético origina la teoría del montaje para narrar historias con la yuxtaposición de imágenes.
  • 1927-1940. La historia del cine da otro salto con la proyección de El cantante de jazz (1927). Es el pistoletazo de salida del cine sonoro, que trae la novedad de poder incorporar los diálogos, así como introducir bandas sonoras y efectos de sonido. Así es como nace la era dorada de Hollywood, donde los musicales y westerns reinan las taquillas.
  • 1940-1950. Aunque imperaba el cine en blanco y negro hasta finales de los años 30, ya existía la tecnología para proyectar el cine a color (llamada technicolor) desde que se patenta en 1916. Pero es en los 40 y 50 es cuando empiezan a prosperar por lograr colores más vibrantes y saturados, empezando por películas como Lo que el viento se llevó (1939) o El Mago de Oz (1939). Se abarata el proceso con técnicas como Eastmancolor con un solo rollo, haciendo estas creaciones más accesibles a productoras con menos capacidad de presupuesto. Por otro lado, también se mejora con creces la calidad del sonido con el sonido monoaural en los 40, la estereofonía durante los 50 y el magnetic sound record a finales de esta década.
  • 1950-1960. Llega la televisión, un fenómeno que rasga con el reinado de la gran pantalla. La industria se ve contra las cuerdas para atraer al público de vuelta a las salas, por eso es una época marcada por grandes desarrollos en la experiencia de la proyección. Por ejemplo:
    • Cinemascope para crear un aspecto panorámico durante la proyección.
    • VistaVisión proyectaba con mayor nitidez paisajes y planos generales.
    • Cinerama era costoso, porque se rodaba con tres cámaras, pero al proyectarse en una pantalla curva ofrecía una experiencia visual en sala impactante.
    • El cine en 3D surge como reclamo para ir al cine y ver películas con las gafas de anaglifos.
  • 1960-1970. Durante las décadas pasadas, los equipos cinematográficos eran pesados y aparatosos y en este periodo la tecnología avanza para hacerlos más ligeros, como las cámaras portátiles. También nace la Steadicam (inventada por Garret Browm) que ayuda a estabilizar los planos y también se popularizan las lentes zoom. Además, también es un momento donde destacan el stop-motion y uso de animatronics para lograr efectos especiales prácticos.
  • 1970-1980. Es el boom de los efectos especiales prácticos, con taquillazos como la saga de Star Wars donde mezclan animatrónics y pintura en vidrio. Además, también es el comienzo del CGI, los efectos especiales digitales, por ejemplo con Tron (1982) que no deja de ser una película rudimentaria, pero con una estética icónica y potente.
  • 1990-2000. La tecnología da un salto hacia la digitalización y se perfila aún más el uso de CGI. También se consolida la era dorada de la animación por ordenador, impulsada por Pixar. Antes del estreno de Toy Story (1995) se combinaba con trabajo en papel. También se mejora la experiencia sonora en las salas de cine con el Dolby Digital a través del audio multicanal y el estándar de calidad acústico THX.
  • 2000-2020. En las últimas dos décadas del cine, la tecnología de la historia del audiovisual avanzó a pasos agigantados. Entre estas revoluciones, destacamos:
    • Las cámaras digitales desbancan a las producciones de las cintas en 35mm (y, por ende, las proyecciones también se digitalizan).
    • Renace el cine 3D a través de la digitalización, con apuestas como la que hizo James Cameron con Avatar (2009).
    • Ahora mismo ya nos encontramos con tecnología de 8K, pero fue a finales de los 2000 y en la década del 2010 cuando empezó la alta definición y proyección en 4K.
    • Los efectos visuales de las décadas pasadas palidecen ante la revolución que estamos viviendo, en especial por la integración del CGI y recursos como el motion capture, la realidad virtual o la realidad aumentada.
    • También se produce un cambio de paradigma con la llegada de las plataformas de consumo en streaming que le dan un vuelco a la historia del audiovisual.

Impacto del sonido en el cine

La importancia del sonido en el cine es indiscutible, aunque en el momento en el que se introdujo esta nueva tecnología (a partir de los años 30) tuvo a sus detractores defendiendo que afectaría a la imagen.

El impacto de introducir efectos, diálogos o banda sonora y, en esencia, el sonido de una película, permite que el formato nos envuelva más. Es un recurso que:

  • Manipula nuestras emociones y estado de ánimo conforme avanza la trama e incluso invita a interactuar con ella. El género del terror es un ejemplo clásico de cómo emplea estos recursos para mantener la tensión y el miedo en el público.
  • Aporta realismo a la experiencia en el cine. Los efectos de sonido, el ruido ambiente y el punto justo de musicalidad para ensalzar las emociones hacen que la experiencia sea más inmersiva. Por no hablar de poder escuchar los diálogos en vez de leerlos en pantalla.
  • Además, cuando nace esta tecnología, sucede otro impacto del sonido en el cine: surgen nuevos perfiles profesionales que participan en los créditos. Entre ellos, microfonistas, mezcladores, diseñadores de sonido (que son diferentes de los técnicos de sonido) o profesionales especializados en los efectos de Foley en producciones sonoras (patentados por Jack Foley).

Los estudios en la historia de la producción audiovisual

La producción audiovisual como tal nace en los años 20 del siglo XX, con la aparición de los estudios cinematográficos (las instalaciones de las productoras). El sistema de estudios o studio system se creó cuando el cine se convirtió en un negocio, convirtiendo la producción de un proyecto en una especie de “cadena de montaje”.

Los estudios más importantes se crearon en los Estados Unidos, y a día de hoy siguen siendo gigantes todopoderosos de la industria del cine: Metro Goldwyn Mayer, Twentieth Century Fox, Paramount, Warner…

Estas instalaciones permitían centralizar todas las labores necesarias para crear una película en un solo lugar, trabajando con un único equipo. Rodaje, platós, casting, vestuario, maquillaje, sonido, fotografía… Todo se organizaba bajo la mirada del productor o los productores, encargados de controlar todo el sistema.

Linea temporal de los estudios en la historia de la producción audiovisual

La producción audiovisual está atada a los estudios de cine, que nacieron al comienzo de la historia del séptimo arte. De acuerdo el artículo First Film Studio and Filming Location de History of Film, esta es la línea temporal de los primeros estudios en la producción audiovisual:

  • El proto-estudio de cine lo funda Thomas Edison en 1893, pero era un concepto más rudimentario que tenemos hoy en día: una habitación con un equipo tecnológico primitivo y del que salían películas que vendían y distribuían a museos o teatros ambulantes.
  • En 1909, Edwin Thanhouser funda el primer estudio de cine en Nueva York con el que produce más de 1000 películas hasta 1917.
  • El primer estudio de Hollywood nace en 1911: Nestor Studios (y se suman otros 15 más ese mismo año). Los Ángeles se convierte en la cuna del cine por el clima e iluminación, y desplaza a Nueva York por la poca potencia de suministro eléctrico y porque Thomas Edison demandaba una tasa por producción a los creadores que dificultaba la creación.
  • El negocio de los estudios de cine en Hollywood pronto pasa de ser diverso a aglutinarse en cinco gigantes que controlan la producción, la distribución, precios en sala y marketing: Paramount Pictures, RKO Pictures, MGM, 20th Century Fox, y Warner Bros.

La industria del cine mantiene a esos gigantes de la producción, que consolidaron su poder y negocio. También llevan las infraestructuras a lo grande para llevar a cabo las creaciones como studio lots, escenario de sonido y todos los recursos del rodaje (maquillaje, vestuario…). Pero más adelante, surgen cambios y nuevas tecnologías que le dan un giro al modelo:

  • La era de la televisión, a partir de la década de los 50, invita a que surjan estudios dedicados a la producción televisiva. Pero con el paso del tiempo, muchos fueron comprados por grandes estudios de cine, como por ejemplo cuando Disney se hizo con American Broadcasting Company en 1996.
  • A partir de los años 80, la tecnología para la producción se vuelve más barata y, por lo tanto, es un contexto que permite que surjan estudios independientes que empiezan a crear un cine irreverente, atrevido y divergente del mainstream.
  • En el contexto actual, los estudios en la producción audiovisual tocan todo tipo de áreas: cine, televisión, streaming, videojuegos, parques temáticos o incluso estudios de producción literaria. Es un momento donde el consumo del entretenimiento es diverso y prosperan nuevos formatos.

La Era Dorada de Hollywood

La Era Dorada de Hollywood se enmarca entre los años 3o y 60, tal y como recoge este curso sobre géneros cinematográficos en la época de oro de Hollywood. Es un contexto donde los estudios de cine ya están consolidados y la industria cuenta con el presupuesto ambicioso para crear obras del cine que son clásicos tanto por su dirección, como realización, producción y, por supuesto, interpretación.

Estrellas del cine dorado de Hollywood

Es un contexto en el que surgen las primeras estrellas de cine, y con razón, destacan por su talento y, al tiempo, atrapar a un público fascinado. Estos son algunos nombres que, seguro, ya te suenan y admiras por su trabajo en la gran pantalla:

  • Cary Grant
  • Marilyn Monroe
  • Elizabeth Taylor
  • Marlon Brando
  • Olivia de Havilland
  • Gregory Peck
  • Katherine Hepburn
  • James Dean
  • Audrey Hepburn
  • Humphrey Bogart
  • Charles Chaplin
  • Doris Day

Películas que marcaron la época dorada de Hollywood

A lo largo de estas tres décadas, atravesadas por la Gran Depresión, la Segunda Guerra Mundial o incluso la Guerra Fría, la producción cinematográfica dio a luz a numerosos títulos imborrables de la historia estadounidense y también mundial. Aquí algunos representativos del momento y de distintos géneros (thriller, drama o comedia, entre otros):

  • El cantor de Jazz (1927), que marca el inicio del género por ser una producción que incorpora sonido en la cinta.
  • King Kong (1933).
  • Una noche en la ópera (1935).
  • El Mago de Oz (1939).
  • Casablanca (1942).
  • Psicosis (1969).

Directores emblemáticos del cine dorado de Hollywood

La época dorada de Hollywood es fruto de una dirección que destaca por crear cánones en la industria, al tiempo que innovar dentro del género y crear unos códigos en el cine que sentarían las bases de las siguientes décadas y del séptimo arte. Aquí algunos nombres del momento que debes conocer (y ver):

  • Billy Wilder.
  • Orson Welles.
  • Alfred Hitchcock.
  • John Ford.
  • Frank Capra.
  • Fritz Lang.

Televisión, vídeo y medios digitales

En la historia de la producción audiovisual, la llegada de la televisión marcó un hito solo igualado por la aparición de Internet. El invento de John Logie Baird llevó las pantallas audiovisuales a todos los hogares, popularizando para siempre la imagen en movimiento.

En los primeros tiempos las emisiones televisivas se realizaban siempre en directo, al igual que las radiofónicas. Los programas se producían en los estudios, que lógicamente se encontraban en el mismo edificio que la emisora.

Como se puede leer en un interesante artículo sobre la historia de la televisión publicado en TM Broadcast, las primeras producciones consistían en informativos, tertulias y programas de divulgación. La ficción no tardaría en llegar en forma de obras de teatro televisadas en directo, desde los platós de los estudios. La aparición del magnetoscopio en el año 1965 permitió grabar los programas en cintas magnéticas para su posterior programación: fue el comienzo de las producciones de televisión tal y como las conocemos en la actualidad.

La Revolución del Video Digital

La televisión reinó durante décadas en el mundo audiovisual; el cine, por su parte, mantuvo también su posición. La siguiente gran revolución llegaría a finales del siglo XX, con la aparición de internet y el boom de YouTube, las redes sociales y los móviles.

Ya en el siglo XXI, los canales de televisión de pago (Netflix, HBO, Filmin…) se han convertido en los nuevos “gigantes” del mundo de la producción audiovisual. De hecho, algunas de las películas más importantes de los últimos tiempos (léase Roma de Alfonso Cuarón o El Irlandés de Martin Scorsese) han sido producidas y estrenadas por la plataforma Netflix.

Efectos Especiales y CGI en el Cine Moderno

Los efectos especiales empiezan con el nacimiento de la historia del cine, a finales del siglo XIX, y en este contexto destaca la figura de Georges Méliès. A lo largo de las décadas, la técnica, tecnología y creatividad fue avanzando para crear efectos especiales más realistas, ambiciosos e impactantes.

El punto de partida del cine modern comienza en la década de los 80, cuando el estreno de Tron (1982), producida por Disney, integra el Computer-Generated Imagery (CGI) en una cinta y abre las puertas al potencial de esta tecnología que se asentó en 1993, con el estreno de Jurassic Park, uno de los clásicos de Spielberg.

El cine moderno también integra los visual effects (VFX) en la producción de películas y tecnología como motion capture para crear un universo y personajes digitales con una apariencia realista. Un ejemplo canónico es Avatar (2009) de James Cameron.

Hoy en día, la tecnología avanza a pasos agigantados integrando soportes de realidad virtual o desarrollando inteligencia artificial todavía en expansión y qué están transformando la industria.

El papel de los documentales en la historia audiovisual

La cámara captura la realidad y, por eso, el documental es un género que atraviesa a toda la historia audiovisual. Julio Montero Díaz y María Antonia Paz Rebollo recogen este capítulo de la historia audiovisual en su artículo El cine documental y su flexibilidad a lo largo de la historia y que tomaremos de referencia para hacer este resumen:

  • Las primeras piezas documentales nacen en los años 20, realizando una presentación dramática de la realidad, reciclando herramientas narrativas de la ficción para crear suspense y escenificar, pero contando una historia verdadera.
  • En los años 60 cuando surge un estilo documental que busca intervenir lo menos posible, buscando la objetividad, y se acerca gracias a un avance tecnológico con el que registrar la realidad. Se llama cinema verité.
  • Con la era digital, se consigue democratizar el formato y abre las puertas a que más creadores realicen sus propios documentales, producirlos y también a distribuirlos.
    En la actualidad, el documental es un género ahora atravesado por distintos formatos para contar la realidad, como por ejemplo los docugames, documentales interactivos o la animación.
  • Se exploró con el género hasta que borró la línea entre la realidad y ficción, por ejemplo con la explosión de falsos documentales de la talla de The Office (2005) o, nuevas propuestas narrativas como la que experimenta el público con How to – With John Wilson (2020).

Como bonus de la historia del audiovisual, recogemos el origen de un género documental popular: el true crime, donde se recrea la investigación de un crimen (resuelto o sin resolver) y las escenas alrededor del acontecimiento. Un estilo narrativo que nace en 1988, tras el estreno de The Thin Blue Line de Errol Morris.

Fórmate y pasa a la historia de la producción audiovisual

La producción audiovisual es un campo laboral fascinante. Además del cine y la televisión, un productor puede trabajar en muchos otros ámbitos, algunos de ellos en auge como es el caso de la animación y los videojuegos.

Anímate a matricularte en nuestro curso de producción audiovisual, con profesores expertos en el medio (profesionales que han producido proyectos importantes, en contacto permanente con el sector) y con prácticas en empresas. Descubrirás un mundo lleno de emoción, en constante evolución y donde cada día supone enfrentarse a nuevos retos.

Si eres una persona dinámica, activa, te apasiona el mundo audiovisual, tienes imaginación y capacidad para solucionar cualquier problema… ¡Puedes llegar a ser un gran productor!

Solicitar información gratis
Icono Producción Audiovisual Curso de Producción Audiovisual