Historia del Diseño Gráfico: de sus orígenes a la actualidad
¿Te atrae el diseño gráfico y todo lo relacionado con esta artística profesión? Si es así, es probable que te interese saber cómo se origina y cómo ha evolucionado a lo largo de los años. En este artículo vamos a repasar en profundidad la historia y evolución del diseño gráfico.
Además, seguro que conocer la evolución de esta disciplina consigue que te motives para formarte con un curso de Diseño Gráfico. De momento, continúa con nosotros y adéntrate en la apasionante historia del diseño gráfico. ¡Comenzamos!
Los orígenes de la historia del Diseño Gráfico: de las pinturas rupestres a la imprenta de Gutenberg
El diseño gráfico es una profesión relativamente reciente y no existe una fecha concreta de sus inicios. Algunos opinan que comienza con los jeroglíficos del Antiguo Egipto o los manuscritos de la Antigua China. Otros, con los textos religiosos, adornados con imágenes y decoraciones, de la Edad Media.
Sin embargo, ninguno de estos ejemplos incluye el flujo de trabajo o el modelo de producción industrial del diseño gráfico. Tampoco tienen como objetivo resolver un problema, cubrir necesidades simbólicas, de identidad o productivas.
Por otro lado, existen otras voces que opinan que la aparición de la imprenta de Johannes Gutenberg, diseñada en el año 1440, supuso el pistoletazo de salida de la revolución industrial y, por lo tanto, consideran al orfebre e inventor alemán el padre del diseño gráfico.
Diseño gráfico en la historia antigua
Desde tiempos remotos, el ser humano siempre ha tenido la necesidad de relacionarse y comunicarse con otros miembros de su especie. Las interacciones sociales comenzaron antes de que los primeros homínidos tuviesen la capacidad de utilizar el lenguaje verbal o escrito, siendo las primeras pinturas rupestres, hace más de 45.000 años, el punto de partida de una aventura imparable en las diferentes manifestaciones artísticas.
Las primeras pinturas representaban escenas de caza y se hacían con el fin de trasmitir historias, favorecer la caza o incluso con fines religiosos.
Los diseños elaborados sobre las paredes de las rocas nos han permitido conocer el modo de vida de nuestros ancestros y demuestran el interés del ser humano por representar gráficamente sus actividades cotidianas.
Diseño gráfico en la Edad Media: carteles y panfletos
A partir de la imprenta de Gutenberg y a medida que la impresión fue evolucionando gracias a La Revolución Industrial (1760 – 1840). Gracias a esto, los compositores o tipógrafos (antecedentes de la figura del diseñador gráfico) fueron perfeccionando las técnicas que rodeaban a la industria del libro.
Durante este periodo, la comunicación visual se limita a carteles y panfletos que se utilizan para comunicar nuevas leyes, impuestos u otros datos relevantes para el pueblo. El diseño de estos primeros productos gráficos son fruto del trabajo de dos profesionales; el dibujante y el impresor. Aunque uno estaba formado como artista y el segundo como artesano, su colaboración permitió la distribución en masa de mensajes visuales y una forma de comunicación rápida y efectiva.
A partir del siglo XV, se comienzan a usar diferentes tipografías, formatos, e ilustraciones para publicitar eventos y espectáculos con la ayuda de carteles y panfletos.
Tanto los carteles como los panfletos fueron evolucionando hasta convertirse en elementos indispensables para anunciar una ópera, una obra de teatro, un festival de música o cualquier otro evento de interés.
Durante esta época, la tipografía y los elementos gráficos eran incluidos de forma industrial en los libros, libros que de repente eran más baratos de producir y comercializar. A pesar de este gran avance, la publicidad moderna no surge hasta finales del siglo XVIII, cuando en Gran Bretaña se comienza a diferenciar las Artes aplicadas de las Bellas artes.
El Diseño Gráfico en los últimos siglos: del Modernismo a la actualidad
Las primeras manifestaciones artísticas relacionadas con la comunicación visual surgen en el siglo XIX. El movimiento Arts and crafts (Arte y oficios), creado por William Morris (arquitecto, diseñador y maestro textil) reniega de las formas de producción industrial y en masa, apostando por la producción artesanal y la creación de obras artísticas de gran calidad.
De repente, en toda Europa se comienzan a crear obras y objetos artísticos de gran belleza en todas las disciplinas (arquitectura, mobiliario, artesanía, bellas artes…), surgiendo así el Modernismo.
De la misma manera, la escuela Bauhaus y las nuevas vanguardias influyen en disciplinas como la arquitectura, el interiorismo, la moda y el diseño en su sentido más amplio. Además, sienta las bases del diseño gráfico actual, el cual, con el paso del tiempo, adquiere una importancia vital en la comunicación de las empresas con el público.
Entre 1925 y 1939 el Art Decó, el Modernismo, el Constructivismo ruso o el Fauvismo aportan una nueva forma de ver el diseño, mucho más racional y funcional y en el que influyen las innovaciones tecnológicas de la época, como la aviación, la iluminación eléctrica o los rascacielos.
Modernismo
Morris influye notablemente en el Modernismo y demuestra que existe un mercado para los trabajos de diseño gráfico. Su pasión por el diseño, la tipografía y la ilustración, lo lleva a crear su propia imprenta, con la que publica cincuenta y tres libros en sesenta y seis volúmenes entre 1891 y 1898. Los libros de Morris, en los que recrea estilos históricos, especialmente medievales, son elogiados por sus variados diseños y su uso del color.
El Modernismo o Art Nouveau intenta fusionar arte y vida y utiliza elementos de la naturaleza para dar movimiento a sus obras, obras en las que el componente orgánico tiene un destacado protagonismo. Este movimiento influye en todos los ámbitos artísticos y cambia la forma y el concepto del arte.
Una figura muy reconocida en España, dentro del movimiento modernista, es Antoni Gaudí, un arquitecto que diseña hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc.
Vanguardias
Tras el interés por la belleza y la ornamentación en el diseño del periodo del modernismo, a finales del siglo XIX y principios del siglo XX surgirían las primeras vanguardias y con ellas movimientos artísticos como el dadá, el cubismo o el futurismo.
El uso de la forma visual como elemento de comunicación, con trazos simples y rectilíneos, se extiende en la sociedad industrializada de principios del siglo XX. Además, el menor coste de los diseños industriales propicia las condiciones idóneas para la aparición de estudios enfocados al diseño visual.
A principios del siglo XX, los futuros profesionales del diseño se forman en centros como la Escuela ULM en Alemania, que cuenta con un Departamento de Comunicación Visual que tiene como objetivo resolver problemas de diseño en el área de la comunicación de masas.
Bauhaus
Defensores de las posibilidades de las maquinas frente a la paleta del pintor y apoyados en un estilo de diseño geométrico y abstracto, los miembros de la Bauhaus explotaron las posibilidades de la tipografía y su hibridación con la imagen o las relaciones ópticas y asociativas de las formas y los colores. También experimentaron con el espacio, los materiales y la composición, siempre con la intención de encontrar el equilibrio perfecto entre la estética y la funcionalidad.
Algunas de las figuras más importantes de la Bauhaus son; Jan Tschichold, padre de la tipografía moderna, Herbert Bayer, fotógrafo y publicista, László Moholy-Nagy, reconocido pintor húngaro y El Lisitski, un diseñador y arquitecto ruso. Entre sus profesores también podemos encontrar grandes artistas de la época, como Kandinsky o Paul Klee.
Art Decó
En paralelo a la Bauhaus y durante el periodo de entre guerras, en el resto de Europa los movimientos de las primeras vanguardias se oponen a las artes decorativas y populares. Bajo un nuevo interés por la geometría, el Art Nouveau evoluciona hacia el Art Decó y todos los movimientos artísticos sufren una fuerte y trasgresora revisión.
Algunos de los diseños más interesantes de la época provienen de los artistas rusos y la propaganda soviética. Inspirados por el Art Decó y el constructivismo (movimiento que trata de acercar el arte al pueblo) los diseñadores rusos desarrollan un estilo único y directo basado en la experimentación geométrica, la simplicidad y las líneas puras.
Los diseños de este movimiento también destacan por el uso de tonos sombríos, diseños irregulares y una paleta de colores mínima, reflejando el triste momento por el que pasa el mundo.
El diseño gráfico y la propaganda: Segunda Guerra Mundial
Cuando los nazis clausuran la Bauhaus en 1933, sus ideas y sus obras ya son conocidas en todo el mundo. Sin embargo, muchos de sus miembros no tienen más remedio que emigrar a Estados Unidos, donde, afortunadamente, continúan desarrollando sus ideas, contribuyendo así a la aparición del diseño moderno y futurista
Sin embargo, durante la Segunda Guerra Mundial, el mundo se paraliza y el diseño gráfico es utilizado como instrumento de propaganda política:.
Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939, el diseño gráfico vuelve a alejarse de su faceta más comercial para ponerse al servicio de la propaganda y los mensajes motivacionales, surgiendo así el cartel bélico.
La propaganda nazi es dirigida por Paul Joseph Goebbels, un político alemán que ocupó el cargo de ministro para la Ilustración Pública y Propaganda del Tercer Reich entre 1933 y 1945. Un ejemplo del diseño gráfico alemán es el cartel; Der Seg wird unser sein!! (La victoria será nuestra) en el que aparece un soldado alemán con la mirada al frente, mientras ondean tras de sí las banderas nazis.
Afortunadamente, tras el final de los oscuros años de la guerra, el diseño y la ilustración comienza a alejarse del propósito propagandístico y anuncia un periodo más optimista con diseños desenfadados e ingeniosos y una rica paleta de colores.
Diseño Gráfico en el Siglo XX: tras la guerra
Tras los horrores de la guerra, tanto Europa como Estados Unidos vive un periodo de fuertes cambios sociales y crecimiento económico. Las industrias de fabricación y construcción de viviendas se expanden y la clase media, mas desahogada, tiene la posibilidad de adquirir nuevos productos de consumo.
- En las décadas de 1940 y 1950. Sobre todo en Estados Unidos, se extiende la televisión en los hogares y el uso de la publicidad y el marketing. En la publicidad comercial americana predominan los colores alegres, la fotografía ilustrativa en tonos pastel o la estética del technicolor.
- A mediados de los años 50. El diseño gráfico inspirado por el Estilo Internacional gira en torno a la simplicidad, el constructivismo y las ideas de la escuela Bauhaus. El buen diseño tiende a simplificar las ideas y los conceptos con el objetivo de comunicar una idea de forma clara y efectiva, dejando a un lado la expresión artística y personal.
- La idea del diseño simple. En este predomina la composición estructurada y un fuerte componente teórico, se mantiene presente en Europa durante muchos años, prácticamente hasta los años 70. Mientras tanto, poco a poco, va ganando terreno una forma más intuitiva y radical del diseño gráfico, un estilo que tiene su epicentro en la ciudad de Nueva York.
Nueva York: centro del diseño gráfico
A mediados del siglo XX el epicentro de la historia del diseño gráfico se sitúa en Nueva York. Influenciada y favorecida por las corrientes provenientes de Europa en los años 40 y sus ideas innovadoras, en Estados Unidos surge un diseñó mucho más moderno y desenfadado.
The First Things First Manifesto (Manifiesto Primero es lo Primero) publicado en 1964 por Ken Garland, critica la idea del diseño en serie, a la vez que alienta a los nuevos creadores a crear una comunicación visual mucho más radical. Nace así la Escuela de Nueva York que apuesta por un diseño mucho más moderno, alejado de los conceptos europeos.
Con un estilo mucho más informal, la Escuela de Nueva York consigue inmediatez en la comunicación experimentando con el diseño, la impresión, la composición, la fotografía, la tipografía figurativa… buscando sorprender y crear un fuerte impacto visual en el espectador.
Años 60: contracultura y cambios sociales
Los años 60 y 70 destacan por el enfrentamiento entre Estados Unidos y la Unión Soviética (La Guerra Fría), la guerra de Vietnam o la carrera espacial. Esto influye en el campo del diseño gráfico, su evolución y su historia.
Como contrapartida a los acontecimientos históricos del momento, surge el movimiento Hippie. Este abraza la revolución sexual, el amor libre y la paz, inicia una corriente que se expande por todo el mundo y que trata de luchar contra las férreas normas sociales, manifestándose en contra de la guerra de Vietnam y luchando por los derechos civiles y el final de la segregación racial. También se inicia la segunda ola del feminismo.
En este contexto surge la psicodelia, un movimiento que se caracteriza por su espíritu de protesta y en el que el amor libre, el rock ‘n’ roll y las drogas alucinógenas influyen tanto en la música, como en el cine y el diseño gráfico.
Con una estética impactante y creativa, efectos de vibración óptica, distorsiones, formas inspiradas en el Art Nouveau y colores intensos y eléctricos, la psicodelia desafía todas las reglas del diseño e insta a la movilización de la sociedad.
Por otro lado, en Europa, al amparo de la cultura pop y los movimientos sociales, surge otra corriente que trata de expresar el descontento y el ansia de libertad, el Punk. Este movimiento influye en la música, la moda, el arte y el diseño gráfico. En el caso que nos ocupa, aporta un lenguaje crudo, colores estridentes y composiciones basadas en el collage.
Años 80 y 90: llega la era digital
A partir de los años 80 y sobre todo los 90, el uso de ordenadores personales y los nuevos programas informáticos gráficos revolucionan la historia del diseño gráfico. Esto permite a los diseñadores gráficos experimentar con nuevas herramientas y efectos digitales. Esta nueva revolución en el diseño, permite que la profesión de diseñador gráfico se desarrolle y especialice. Además, la aparición de internet también trae consigo la globalización en la comunicación.
PageMaker de Aldus y PostScript de Apple son algunos de los hardware y software que aparecen en el mercado, así como el ratón, que facilita enormemente el proceso creativo. Además, la llegada de las primeras impresoras láser causa una verdadera revolución.
Las herramientas digitales evolucionan rápidamente y cambian de la noche a la mañana. A mediados de los 80 aparecen las primeras versiones de programas como Dreamweaver, Illustrator, Photoshop e InDesign, entre muchos otros. Herramientas que, actualmente, siguen siendo indispensables para el diseño gráfico.
Tendencias del Diseño Gráfico en el Siglo XXI
En el siglo XXI, el la historia del diseño gráfico lo ha llevado a experimentar una evolución significativa. Los cambios experimentados vienen dados por los grandes avances del siglo XX y por la cada vez más creciente digitalización del medio. Estas son algunas de las tendencias más destacadas:
- Minimalismo. Enfocado en la simplicidad y la eliminación de elementos superfluos, el minimalismo es una tendencia dominante en el diseño gráfico del siglo XXI. Este tipo de diseño busca comunicar el mensaje de manera clara y concisa, utilizando un diseño limpio y espacios en blanco generosos.
- Diseño responsive. Con la proliferación de dispositivos móviles y pantallas de diferentes tamaños, el diseño responsive es una filosofía que se ha vuelto esencial. Los diseñadores gráficos ahora tienen que crear interfaces que se adapten a todo tipo de pantallas y resoluciones. Además, deben asegurarse de que ofrecen una experiencia de usuario coherente para todas ellas.
- Tipografía creativa. El uso de tipografías personalizadas y creativas se ha vuelto popular en el diseño gráfico contemporáneo. Los diseñadores experimentan con fuentes únicas y expresivas para agregar personalidad y diferenciación a sus proyectos.
- Ilustración vectorial. Las ilustraciones vectoriales pueden escalar sin perder calidad. Esto hace que se conviertan en una opción popular para el diseño gráfico enfocado a la creatividad online.
- Diseño de marca. Con un enfoque creciente en la sostenibilidad y la responsabilidad ambiental, las marcas están adoptando diseños gráficos que reflejan estos valores. Esto pasa por aplicar diseños que buscan encajar con esta idea. Algo que se puede lograr a través de, entre otras cosas, el uso de colores naturales, materiales ecológicos y mensajes que promueven prácticas sostenibles.
- Estilo vintage. Aunque estamos en el siglo XXI, ha habido un resurgimiento de estilos retro y vintage en el diseño gráfico. Desde paletas de colores nostálgicas hasta ilustraciones inspiradas en décadas pasadas, esta tendencia se está asentando cada vez más.
Estas tendencias representan solo una parte del panorama del diseño gráfico en el siglo XXI, que sigue evolucionando constantemente en respuesta a los cambios en la tecnología, la cultura y la sociedad.
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