La fotografía de una película está compuesta por 24 fotogramas por segundo, una ráfaga de imágenes que realizan el movimiento y crean la acción que transcurre en la pantalla. Sin embargo, esto va mucho más allá de la pura técnica, aprende a apreciar la belleza de la fotografía cinematográfica en el artículo de hoy.
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¿Qué es la fotografía de una película?
Aunque no seas un cinéfilo, eres consciente de la importancia de la fotografía cinematográfica, pero por qué es tan transcendental en la película o qué es exactamente este concepto.
La fotografía en el cine se encarga de llevar a la gran pantalla el concepto, lo que el director o directora y los guionistas han ideado y plasmado sobre el papel, es decir, llevar la película de la biblia al cine.
La fotografía de una película potencia la narración del guion, es decir, los/as directores/as utilizan la imagen como el recurso que favorece esta narración. Para conseguir la máxima calidad fotográfica, el director de fotografía debe tener en cuenta diferentes elementos:
- La película es una narración con imágenes
- Los oficios del cine, es decir, los recursos humanos
- La cinematografía digital
- La iluminación
- La preproducción audiovisual
- La postproducción digital
- La corrección de color
La luz, los colores, las texturas, el encuadre… todos forman el alma de la película. La importancia de la fotografía de una película es su capacidad para transmitir el mensaje del director. Aquí reside la transcendencia de la dirección de fotografía.
Estos elementos consiguen iluminar los corazones de los espectadores. ¡Recuerda que la luz es el elemento más importante de la fotografía y del cine! Sin luz el cine perdería su esencia, lo que magnitud la fotografía de una película para construir las ilusiones del público.
¿Cómo analizar la fotografía de una película?
Una grabación es la simple sucesión de imágenes en movimiento, pero podemos analizar qué nos quieres decir, cómo lo dice o cómo se ha grabado.
Los elementos que se deben tener en cuenta desde la dirección fotográfica para analizar la fotografía de una película son:
- El escenario
- La distancia de la cámara
- El tipo de plano
- El encuadre de la imagen
- La disposición de los personajes en el plano
- La dirección de los personajes
- El movimiento de la cámara
- La iluminación
- El tratamiento del color
Todos estos elementos influyen en la fotografía de una película de forma decisiva, creando sensaciones que se transmiten al público en cada plano de la película.
El escenario
El escenario, el entorno en el que sucede la acción de una película es lo que le da contexto a todo y también sirve para establecer el tono de una escena
En este sentido, un escenario que se haya escogido cuidadosamente puede proporcionar información sobre el período histórico, la cultura o el estado emocional de los personajes, entre otras cosas.
Pensando en ejemplos, si se opta por un escenario sombrío y desloado, se pueden transmitir sentimientos de tristeza o peligro.
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La distancia de la cámara
La distancia entre la cámara y los sujetos puede ayudar a los cineastas a cambiar o alterar la percepción del espectador respecto a personajes, escenarios u objetos, entre otras cosas.
Un ejemplo de esto es el uso de primeros planos, que suelen ser más íntimos y emocionales o, en contraposición, planos generales, que sitúan a los personajes en la escena, dando una visión más amplia de la acción.
El tipo de plano
Los tipos de planos (primer plano, plano medio, plano general, etc.) son lo que determina qué espacio y que parte de los personajes se muestran en la imagen que llega a los espectadores.
En este sentido, cada tipo de plano tiene una función narrativa concreta, que puede influir en la atención y la percepción de los espectadores.
El encuadre de la imagen
El encuadre de la imagen es otro de los puntos a tener en cuenta en la fotografía de una película, ya que también sirve para dirigir la atención de los espectadores a elementos específicos dentro del plano.
Además de esto, el encuadre también puede llegar a influir en la composición visual y en el equilibrio estético de la imagen.
La disposición de los personajes en el plano
La posición de los personajes dentro del cuadro puede indicar relaciones de poder, tensión, proximidad o distancia emocional entre ellos.
Además de esto, usar una disposición estratégica puede ayudar a comunicar dinámicas interpersonales sin necesidad de diálogo. Esto es algo especialmente importante en cine, ya que ayuda a generar una narrativa propia a través de las imágenes.
La dirección de los personajes
La manera en que se dirigen los personajes, incluyendo sus movimientos y expresiones, añade capas de significado a la narrativa visual.
En este sentido, la dirección de actores es de suma importancia, ya que es lo que ayuda a reforzar la psicología del personaje y sus intenciones en la escena.
El movimiento de la cámara
Los movimientos de cámara, como paneos, travellings, zooms y grúas, pueden añadir dinamismo a una escena y ayudar a guiar la atención del espectador.
Además de esto, el movimiento puede también implicar una perspectiva subjetiva o una sensación de inmersión en la acción. Esto ayuda a situar a los espectadores, pero también implica que se genere cierta sensación de inmersión en lo que está pasando en la escena.
La iluminación
La forma en que se ilumina una escena afecta el tono y el ambiente y puede ayudar a crear contrastes, resaltar aspectos específicos del escenario o los personajes, y establecer un estado de ánimo concreto en los espectadores.
Estableciendo un ejemplo, como en el caso anterior, una luz tenue para una escena de misterio o terror determina un tono concreto para el conjunto del film.
El tratamiento del color
Los colores utilizados en una película pueden tener significados simbólicos y emocionales por eso es importante, en fotografía cinematográfica, seleccionar la paleta de color adecuada para cada caso.
Gracias a esto se puede influir directamente en la percepción del tono de la película, establecer la atmósfera y evocar respuestas emocionales específicas en el espectador.
¿Cómo apreciar la fotografía de una película?
No es una tarea sencilla apreciar la fotografía de una película. En el día de hoy hemos elegido 5 películas, no las más bonitas o las mejores de la historia, pero sí las que, a nuestro juicio, consiguen transmitir el mensaje y la narración con la fotografía.
Estos son ejemplos de películas con una fotografía bien aplicada.
«Ciudadano Kane»
La profundidad de campo es utilizada por Orson Welles para conseguir dar poder a cada escena de la película. Cada uno de los fotogramas tiene un significado metafórico en Ciudadano Kane.
Considerada como una obra maestra de la fotografía cinematográfica, consiguió con objetivos grandes angulares y con poca distancia focal una película sensible, que nos acerca a la personalidad del protagonista y los personajes.
La paleta de colores, que refuerza los claroscuros por influencia del expresionismo alemán, logra transmitir las contradicciones del mundo en el que se desarrolla la narración, al mismo tiempo que potencia el de misterio.
«Lawrence de Arabia»
En esta película la fotografía transmite la insignificancia de los seres humanos frente a la inmensidad de la naturaleza que los rodea.
Por esta razón, la fotografía utiliza composiciones rectilíneas, efecto que se potencia al grabar con grandes angulares y la película de 70 mm.
Los majestuosos parajes desérticos, obviamente grabados en exteriores, y la iluminación, refuerzan la importancia de la naturaleza, que está presente en toda su magnitud, dejando al cielo una parte muy pequeña del encuadre en numerosas secuencias.
La fotografía se centra en reflejar la amplitud e inmensidad del desierto.
«El padrino»
La fotografía está condicionada por la escasa iluminación, algo que rompe con todo el cine americana anterior, que se caracterizaba por una paleta de colores saturada.
La genialidad de la fotografía de El Padrino reside en potenciar los juegos de sombras y la oscuridad, con una iluminación muy tenue. El éxito de esta película fue tal que Gordon Willis, su director de fotografía, creó una nueva corriente fotográfica en el cine.
Las luces tamizadas y volumétricas de El Padrino forman parte de la historia del cine.
«Barry Lyndon»
No podía faltar en la lista Barry Lyndon, una película con una fotografía que hizo historia. Para el rodaje de obra de arte se utilizaron unas lentes de gran abertura (objetivo de 50 mm de apertura 0,7) de la NASA, apenas se utilizó iluminación en interiores, más allá de unas velas en las escenas nocturnas, se emplearon zooms como recurso fotográfico y se utilizó un encuadre paisajístico, que refleja la belleza de la época y de Irlanda, país donde se grabó la mayoría de la película.
Sin duda, los efectos visuales y los recursos fotográficos consiguen un realismo que fue ampliamente reconocido y premiado.
«Días del cielo»
El director Terrence Malick y el director de fotografía Néstor Almendros rodaron esta magnífica película, en su mayoría, en la pequeña franja del día conocida como “la hora mágica” del atardecer.
Esta iluminación natural consigue un efecto pictórico y otorga profundidad a la narración que vemos en la gran pantalla. Esto fue posible gracias a la utilización de negativos de gran sensibilidad, que permitían grabar en circunstancias de poca luz.
Por esta fotografía realista Néstor Almendros ganó un Oscar. ¡Esta es una dirección de fotografía que hizo historia!
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