16 Nov 2019by 35mm.es

Oscar a la mejor fotografía: las últimas diez ganadoras

Oscar a la mejor fotografía: las últimas diez ganadoras

Que los premios Óscar son la gran fiesta del cine no es novedad para nadie, y si bien es verdad que muchas veces podemos no estar de acuerdo con ciertas elecciones, la realidad es que en líneas generales suele haber cierto consenso sobre cada premiado. Y por este motivo hoy vamos a dedicar nuestro artículo de hoy a hablar sobre las últimas diez películas ganadoras del Óscar a la mejor fotografía, ya que creemos que es una buena forma de hablar de diez buenos films con diez excelentes fotografías cinematográficas. ¿Empezamos?

 

Avatar (2009)

La mega producción de James Cameron, para la que Mauro Fiore prestó su visión fotográfica, no fue simplemente una muy buena película más, sino que fue una fuerza de la naturaleza que se llevó por delante todo lo que conocíamos hasta entonces de cinematografía digital.

La que ahora es la segunda película más taquillera de la historia (Avengers: Endgame la superó este año) revolucionó por completo la captura de movimiento y el 3D, y se llevó un Óscar a la mejor fotografía, no sin poca controversia.

El debate no solo parte del hecho de que el 70% de la película está desarrollada en ordenador (lo que significa que Fiore estuvo solo un 30% de la película detrás de la cámara), sino que además pareciera que el premio fue más por el logro técnico de la utilización de las CGI que por el desarrollo fotográfico de la película.

No es que esto esté mal, después de todo esta película abrió un camino hasta entonces inexcrutado, pero la realidad es que si hablamos del arte de la fotografía cinematográfica, aquí las imágenes que Fiore y James Cameron llevaron a cabo no son particularmente destacables.

 

Origen (2010)

Origen es, sin duda, una de esas películas cuyo Óscar a la mejor fotografía es prácticamente incuestionable.

En este film dirigido por Christopher Nolan, el Director de Fotografía Wally Pfister (que ya había trabajado con Nolan en películas como Memento, Insomnia, Batman Begins y El caballero oscuro) llevó a cabo su obra más laureada, con resultados impresionantes.

Los movimientos, elementos y efectos visuales utilizados para crear cada uno de los paisajes oníricos de la película requirieron de una habilidad y visión creativa superior, y Pfister estuvo más que a la altura del desafío.

 

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La invención de Hugo (2011)

La invención de Hugo fue una película con muchas novedades para el director Martin Scorsese. No solo fue su primera película hecha específicamente para una audiencia joven, sino también la primera vez que trabajó con el formato 3D.

En esta película, Robert Richardson no solo usa el 3D como una técnica atractiva, sino que encuentra formas interesantes y emocionantes de utilizarlo para subrayar los principios básicos de la producción cinematográfica. Esto va de la mano con el tema de la película, que trata de los primeros días del cine y de cómo nació el arte de la imagen en movimiento.

 

La vida de Pi (2012)

En esta película, en la que el Director de Fotografía Claudio Miranda tuvo la titánica tarea de  combinar actores y escenarios reales con personajes y fondos creados por ordenador, podemos encontrar una pequeña pero valiosísima muestra de cómo el cine digital avanzó en la década de 2010.

El resultado es realmente sorprendente, especialmente cuando se compara con otras superproducciones creadas en pantalla verde. El uso de la luz por parte de Miranda hace que el tiempo de Pi en el mar parezca táctil y real, a la vez que surrealista, de acuerdo con la historia misma.

Solo con eso ya podríamos hablar de una película cuyo Óscar a la mejor fotografía lo tiene bien merecido, pero este premio se hace todavía más grande cuando vemos que ese año competía contra uno de los mejores trabajos de Janusz Kaminski en Lincoln y la impresionante Skyfall, digitalmente rodada por Roger Deakins.

 

Gravity (2013)

La película que dio el pistoletazo de salida para que Emmanuel Lubezki ganara sus tres Óscar a la mejor fotografía consecutivos vino, cómo no, de la mano de Alfonso Cuarón.

Con Gravity , Lubezki lleva su característico estilo naturalista a un proyecto sumamente intenso en efectos visuales, en el que él y Cuarón combinan a los actores con entornos CGI de manera absolutamente brillante.

 

Birdman (2014)

Como el único Director de Fotografía en ganar el Óscar a la mejor fotografía tres veces seguidas, Emmanuel Lubezki ha sabido ganarse su más que merecido lugar en la historia de los Óscar.

Ahora bien, no vamos a negar que existen algunos detractores de esta película, pero independientemente de lo que se piense de “Birdman o la inesperada virtud de la ignorancia”, el logro de Lubezki de hacer que la película parezca una toma continua es tremendo. Es verdad que esta técnica ya se había hecho antes, pero también es verdad que no hay nadie más como Lubezki para llevarla a cabo.

 

El renacido (2015)

La película que dio, finalmente, su primer Óscar a Leonardo DiCaprio marcó también otro hito: coronó a Lubezki como el primer Director de Fotografía en ganar tres estatuillas consecutivas a mejor fotografía cinematográfica.

En esta película destaca, dentro de una fotografía deliciosamente cuidada, el hecho de que toda la iluminación del film –excepto una única escena- está realizada a partir de fuentes naturales. Iluminar de esta manera no es una tarea fácil, especialmente en los lugares en los que se filmó esta película, pero Lubezki hace que funcione maravillosamente para dar como resultado una imagen inquietante tras otra en las que el peligro de lo salvaje cobra vida de forma sublime a través de la lente de Lubezki.

 

La La Land (2016)

La La Land fue una película tan completa en tantos sentidos, que no son pocos los que sienten que no se habló lo suficiente de la fotografía llevada a cabo por el sueco Linus Sandgren, que desarrolló en el musical de Damien Chazelle el que es hasta ahora el mejor trabajo de su carrera.

El uso del color en particular es uno de los factores que sobresalen en el film, sin contar la escena en la que Emma Stone y Ryan Gosling bailan juntos en la “hora mágica” trayendo a la pantalla el recuerdo del viejo Hollywood de Fred Astaire y Ginger Rogers.

Un último punto a destacar de esta fotografía es el movimiento de la cámara: los musicales tratan sobre el movimiento, y la cámara de Sandgren gira alrededor de los dos amantes como si fuera un personaje en sí mismo, consiguiendo un resultado absolutamente fascinante.

 

Blade Runner 2049 (2017)

La película que finalmente, y después de 14 nominaciones, dio el Óscar a mejor fotografía a Roger Deakins ofrece algunos de los mejores momentos del Director de Fotografía británico.

Blade Runner 2049 da vida a entornos futuristas alucinantes, utilizando una combinación de efectos especiales y CGI. Pero es la cuidadosa meticulosidad de Deakins en cada pequeño aspecto la que hace de esta película una merecida ganadora del premio de la Academia.

 

Roma (2018)

El director Alfonso Cuarón había planeado inicialmente volver a trabajar con Emmanuel Lubezki en Roma, pero Lubezki se vio obligado a abandonar el proyecto debido a conflictos de programación. Fue entonces cuando Cuarón intervino, dando vida a su propia visión de este drama con asombrosos detalles.

La fotografía en Roma es innovador en el sentido de que Cuarón relega la cámara a la esquina de una habitación o al costado de una pared, y obliga a la audiencia a presenciar los eventos como un observador objetivo. Sin grandes movimientos de cámara ni nada por el estilo, la ubicación de la cámara y la composición de cada toma se presentan extremadamente precisas. Incluso la decisión de filmar en 4K en blanco y negro tiene su justificación: así se busca evocar un recuerdo sin nostalgia, consiguiendo un resultado realmente fascinante.

 

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