El listado de los mejores directores de fotografía de la historia

La historia del cine está atravesada por artistas de renombre con créditos de dirección de fotografía, tanto en color como en blanco y negro. Recogemos algunos de los nombres más relevantes, de ayer y de hoy, en este completo listado. ¡Conoce su trabajo!

James Wong Howe

Nacido en Taishan, ciudad de la provincia costera de Guangdong (China), en 1899, James Wong Howe (cuyo nombre real era Wong Tung Jim) se mudó con su familia a Estados Unidos cuando tenía solo cinco años.

Su sueño desde pequeño era ser boxeador profesional, pero tras intentarlo sin éxito en Oregón, consiguió un trabajo como asistente de un fotógrafo comercial en Los Ángeles y allí comenzó una carrera que le llevaría al cine.

Inicios de su carrera

• Tras trabajos en rodajes recogiendo restos de nitrato, como asistente de edición o como cuarto asistente de camarógrafo, finalmente ascendió a camarógrafo, después de inventar una técnica que descubrió por accidente fotografiando a Miles Minter, consiguiendo que resaltaran sus ojos azules con un marco de terciopelo alrededor de la lente.
• En la década de los 20, muchos actores y actrices tenían este mismo problema con el cine en blanco y negro, por lo que su nombre sonó por todo Hollywood. Así, Howe dio el salto a Director de Fotografía, primero en «Drums of Fate» (1923) y luego en «Mantrap» (1923), dos películas en las que trabajó la ya nombrada Mary Miles Minter.
• Incluso en esta etapa temprana de su carrera, Howe había desarrollado un enfoque estético realmente sólido para el cine, basado en una iluminación novedosa y expresiva. A su vez, la película terminó de reforzar su reputación como maestro en el manejo cuidadoso de la imagen femenina.

Innovaciones

• Además del marco de terciopelo, Wong Howe fue famoso por más innovaciones, incluyendo poner a un camarógrafo con patines y una cámara de mano dentro de un ring de boxeo para que la película «Cuerpo y alma» (1947) meta a la audiencia de lleno en la escena.
• Howe era un maestro en el uso de las sombras, además de ser uno de los primeros Directores de Fotografía en utilizar la fotografía de enfoque profundo, es decir, una fotografía en la que tanto el primer plano como los planos distantes permanecen enfocados.
• Otro invento de este chino-americano fue atar cámaras a las cinturas de los actores en «The Brave Bulls» (1951) para dar una perspectiva más cercana y más realista sobre las corridas de toros.
• También fue aclamado por su trabajo con el seguimiento y la distorsión en «Plan diabólico» (1966), película en la que utilizó una lente de ojo de pez de 9 mm para sugerir la inestabilidad mental del personaje.

Reconocimientos

Howe estuvo bajo el escrutinio del Comité de Actividades Antiamericanas por la persecución a los comunistas por la administración de McArthy, que alcanzó su punto culminante en 1954. Este contexto hundió por un tiempo la carrera del director de fotografía, pero cuando terminó y pudo volver al cine, empezaron los reconocimientos:

• Ganó su primer Óscar por la fotografía en blanco y negro de «La rosa tatuada» (1955), en la que las sombras creadas por Howe revelan la agitación emocional de la protagonista.
• Curiosamente, no fue nominado al Óscar por su trabajo en «Chantaje en Broadway», aunque sí lo fue al año siguiente por su trabajo en color en «El viejo y el mar»  (1958).
• Más tarde ganaría su segundo Óscar por la fotografía en blanco y negro de «Hud»  (1963). En ella, Wong Howe utilizaba una vez más un paisaje, las llanuras estériles y solitarias del oeste de Texas, para resaltar el estado psicológico del protagonista de la película, el amoral y solitario personaje interpretado por un Paul Newman.
• «Funny Lady» (1975) fue la película que le valió a Wong Howe su última nominación a los Óscars también fue su último trabajo por problemas de salud, dando el cierre a una carrera que abarcó casi 60 años. El genial artista chino moriría solo un año después.

Freddie Young

Frederick Young fue un camarógrafo y director de fotografía británico, destacado por sus innovaciones y estilo fílmicos. Es mundialmente conocido por su colaboración con el director David Lean en los filmes Lawrence de Arabia (1962), Doctor Zhivago (1965) y La hija de Ryan (1970), siendo ganador del premio Óscar a la mejor fotografía por estos filmes.

Su trabajo ha sido tan brillante que su país le homenajeó su carrera nombrándole Amigo de la Asociación Británica para las Artes del Cine y Televisión, título que hasta entonces solo detentaba Alfred Hitchcock y sus viejos colegas le reconocen como un genuino genio. ¡Ahí es nada!

En la época en la que Lean estaba preparando Lawrence de Arabia, Freddie Young estaba considerado por aquel entonces el mejor director de fotografía inglés y contaba ya a sus espaldas con más de 100 películas fotografiadas.

«Las secuencias del desierto y la grandeza global de Lawrence de Arabia forman parte de la leyenda del cine» The Guardian

En 1998 el trabajo de Freddie Young fue elegido por la American Society of Cinematographers (A.S.C.) como el mejor director fotográfico de la segunda mitad de siglo.

Conrad Hall

El cine aparecería en su camino después de un paso frustrado por la carrera de periodismo en la University of Southern California. Tras darse cuenta de lo que él quería no era ser periodista decidió probar suerte en la Escuela de Cine y Televisión de la USC.

Tras graduarse, Conrad Hall fundó Canyon Films junto a otros dos compañeros de clase. En 1956, tras algunos años filmando publicidades, documentales y algunas tomas sueltas, Canyon Films adquiere el cortometraje My Brother Down There, en el que Hall fue el camarógrafo encargado de filmar toda la película.

Durante varios años, Conrad Hall trabajaría como operador de cámara en diferentes series de televisión. En 1964, finalmente, daría el salto a la gran pantalla al filmar Wild Seed, un largometraje en blanco y negro que se realizó en solo 24 días.

Nominaciones y Óscars ganados

• En 1965 obtuvo su primera nominación a los Óscar con la película Morituri, una historia bélica en la que un pacifista alemán debe sabotear un cargamento de su país para entregárselo a los aliados durante la Segunda Guerra Mundial.
• Al año siguiente entraría nuevamente dentro de los nominados gracias a su participación en la película Los profesionales, y lo haría otra vez un año después por su trabajo en la película A sangre fría, la adaptación cinematográfica de la obra Truman Capote.
• Finalmente en 1969 Conrad Hall recibiría su primer galardón por su trabajo en Butch Cassidy and the Sundance Kid, Hall aprovecha los paisajes para ofrecer una fotografía magistral, mostrándonos desde vastas llanuras hasta vertiginosos cañones, todo bajo unos cielos devastadora y dramáticamente preciosos.
• Las décadas del setenta y el ochenta trajeron dos nuevas nominaciones al Óscar por mejor fotografía para Conrad Hall. La primera, en 1975, fue por El día de la langosta y la segunda, en 1988, cayó por Tequila Sunrise.
• Lo noventa se convertirían en otra década dorada para Hall, recibiendo nominación dos veces más a mejor fotografía cinematográfica.: En busca de Bobby Fischer, en 1993, y Acción Civil, en 1998.
• En 1999 se alzaría nuevamente como ganador con una película que se convirtió sin dudas en un clásico del cine moderno: American Beauty.
• Este genio tahitiano todavía tenía una última gran obra que regalar a la humanidad, y consiguió una estatuilla póstuma con Camino a la perdición (que ganó a El Pianista y Pandillas de Nueva York).

Blasco Giurato

Blasco Giurato nació en Roma en 1941, por lo que en la actualidad, todavía en activo y con varios proyectos entre manos, tiene 79 años. A lo largo de su carrera profesional ha participado como director de fotografía en un total de 28 películas, la mayoría de ellas italianas.

Cinema Paradiso y más filmografía destacada

Cinema Paradiso, dirigida por Giuseppe Tornatore, se estrenó en 1988 y fue galardonada con el Óscar a mejor película de habla no inglesa y nominada al Bafta de mejor dirección de fotografía, entre otros premios por el trabajo de Blasco Giurato.

Consigue mostrar la nostalgia de Salvatore cuando regresa a su pueblo y rememora su infancia a través de los colores de los planos, donde predominan los tonos azulados. Se trata de una atmósfera creada por las imágenes, combinadas con la banda sonora de Ennio Morricone, consiguen atrapar al espectador y dejarlo sin aliento.

La dirección de fotografía de Blasco Giurato está íntimamente ligado al director de Cinema Paradiso, pues trabajó con él en nada más y nada menos que en un total de cuatro películas:

• Il Camorrista (1985)
• Stanno Tutti Benne (1990)
• Una Pura Formalità (1994)

Wally Pfister

En 1988, Robert Altman, un Director nominado hasta en cinco ocasiones a los premios de la Academia, buscaba un camarógrafo de noticias real para que actuara ese mismo papel en el programa. Contrataron a Pfister y le pidieron que, además de actuar, filmara como cámara “B”. El trabajo fue tan bueno que pusieron a Pfister como camarógrafo de la segunda unidad.

Después de esa experiencia, Wally Pfister decidió inscribirse en el Instituto de Cine Americano, donde llegaría a colaborar en un cortometraje que más tarde sería nominado a mejor corto de acción para un premio Óscar.

Relación Nolan-Pfister

Para 1998 Pfister ya había trabajado en unas quince películas, por lo que ya contaba con una buena experiencia en el mundo de la dirección de fotografía. Durante el Sundance Film Festival en el que compitió con su película The Hi-Line, Pfister conoce a un ignoto Christopher Nolan que se encontraba ahí porque tenía su primer film, Following.

La química entre los dos nació casi al instante, y Nolan, que a la postre se convertiría en unos de los directores de cine más importantes de la nueva camada, lo llamó para trabajar juntos en Memento. A partir de ahí, la relación de esta dupla se alargaría durante casi toda la carrera del director con las películas:

• Insomnio (2002)
• Batman Begins (2005)
• El gran truco (2006)
• El caballero oscuro (2008)
• Origen (2010)
• El caballero oscuro: la leyenda renace (2012).
• Tenet (2020).

Técnicas y trabajo

• Pfister se presenta como un amante y defensor acérrimo de la película y del formato anamórfico, trabajando con 35mm y con IMAX.
• La utilización de tomas muy abiertas como herramienta dramática y narrativa que permite intensificar la acción de las distintas tomas.
• Tiene un estilo naturalista y poco estridente, dejando el protagonismo a los personajes y a la narración, que son quienes deben tenerlo.
• El movimiento de la cámara es, por otra parte, fundamental en Pfister, ya que le permite experimentar la acción desde diferentes ángulos. Esto tiene una enorme dificultad y genera dos preguntas clave: ¿cómo iluminas una escena si esa escena se va a filmar desde todos los ángulos? ¿Y cómo escondes las luces? Pfister lo soluciona en muchos casos de forma maestra poniendo las propias luces dentro del encuadre, evitando el tener que ocultarlas.

Newton Thomas Sigel

Newton Thomas Sigel nació en 1955 y es un director de fotografía americano, más conocido por sus colaboraciones con el director Bryan Singer en películas como The Usual Suspects, Valkyrie, y el X-Men franquicia cinematográfica.

También ha trabajado con otros cineastas como Haskell Wexler, Mike Newell, David O. Russell, Terry Gilliam, Alan Ball, Robert Redford y Nicolas Winding Refn.

Sus películas dieron un sorprendente giro periodístico en la década de 1980 cuando fue a cubrir las guerras centroamericanas. Su trabajo documental incluye Witness to War: Dr. Charlie Clements (Witness to War), obra premiada con un Óscar; y la exitosa When the Mountains Tremble.

Óptica y luz

Su extraordinario trabajo ha quedado de manifiesto en películas como Drive. En este film de Nicolas Winding Refn, Sigel destaca por el rodaje con la cámara Alexa de Arri, con una imagen de calidad equivalente al formato de 35mm, una amplia latitud de exposición y con un ruido casi inexistente.

«Colocábamos el coche encima. De esa forma el actor podía estar en el coche concentrado en su interpretación mientras las cámaras filmaban. Al mismo tiempo, hay otro conductor que conduce el coche pero da la impresión de que es el artista el que está conduciendo» Newton Thomas Sigel sobre Drive

En Drive el director fotográfico hace gala de una excelente combinación de las ópticas Zeiss Master Primes, junto con la exquisita sensibilidad de la Alexa; lo que permite a Sigel captar imágenes de gran calidad, contraste y luminosidad sólo con las luces de la propia ciudad, tanto en las tomas generales aéreas, como en todos los planos dotados de asombroso realismo.

En Drive destacan los colores cruzados, tonos azules muy vivos y dorados que mezclan la frialdad del cine negro con la calidez de las escenas interiores.

Años después, en El séptimo hijo, el director utiliza mucho el recurso de iluminar con dos fuentes de distinta temperatura de color para así imitar la luz de las antorchas y la luz que entra por la ventana, aportando volumen y haciendo que la escena sea mucho más realista.

Newton Thomas Sigel es capaz de subexponer y prescindir de la luz de relleno en múltiples ocasiones.

La fotografía está presente en distintas áreas creativas, puede ser ella misma la que inspire a crear o un lugar el que nos inspire a ser fotografiado.  En parte el director fotográfico es un artista visionario, capaz de crear en su mente toda una secuencia y de ver el potencial de un lugar, de la iluminación, el encuadre, la composición de la escena y de otros muchos elementos.

Leon Shamroy

Shamroy nació en Nueva York en julio de 1901 en el seno de una familia rusa instalada en Estados Unidos. Estudió ingeniería mecánica en la Universidad de Columbia, aunque finalmente abandonaría la profesión porque creía que cobraba muy poco.

Después de que parte de su familia emigrara a California para trabajar con D. W. Griffith (uno de los mejores directores de cine de su generación), Leon Shamroy hizo lo propio, recalando finalmente en el laboratorio de la Fox. Allí pasaría varios años y, a la vez, desarrollaría su carrera detrás de las cámaras de filmación.

Sus primeros pasos fueron a través de películas experimentales desarrolladas con un equipo de bajo presupuesto. Finalmente es en la década de 1920 cuando se convierte en camarógrafo y en 1943, Shamroy recalaría nuevamente en 20th Century Fox, lugar en el que filmaría muchas de sus obras más importantes durante las siguientes dos décadas, como The Robe, El tormento y el éxtasis, Cleopatra o el Cisne negro.

Récord de 18 nominaciones a los Óscar

En sus casi cincuenta años de carrera, Shamroy supo crear algunas de las piezas cinematográficas más importantes y mejor valoradas de la historia del cine. Tanto fue así que, a día de hoy, cuenta con el récord de 18 nominaciones a los Óscar, compartido con Charles Lang. Aquí algunas de ellas:

• El tormento y el éxtasis (1965)
• El cardenal (1963)
• Cleopatra (1963)
• Porgy y Bess (1959)
• Al sur del pacífico (1958)
• El rey y yo (1956)
• La colina del adiós (1955).

Sus Óscars ganados y su relación con el color

En la década de 1940, Shamroy tuvo su gran oportunidad de trabajar en Technicolor. Fue entonces cuando ganó tres Premios de la Academia:

• En 1942, El cisne negro
• En 1944, Wilson
• y en 1945, Que el cielo la juzgue

Jack Cardiff

De su talento como director de fotografía surgieron películas como Stairway to Heaven (1946). Una película en la que tuvo la brillante idea de rodar en color en las escenas que sucedían en tierra y utilizar un blanco y negro especial para las escenas que transcurrían en el cielo, y fue la primera vez que se hizo algo así.

«Me encantaban las grandes similitudes entre una pintura y una fotografía, por eso acabé como director de fotografía. Quería llevar al cine las ideas de la luz de Rembrandt o de Vermeer y lo que había aprendido en la pintura» Jack Cardiff

Otra de las obras cumbre de Jack Cardiff fue Black Narcissus (1947), película que le valió su único Óscar como mejor dirección de fotografía. Un melodrama que se desarrolla en el Himalaya pero que se rodó en los estudios de Pinewood, en Londres. Todo el talento de Cardiff para lograr convertir unos decorados en un escenario real.

Cardiff tuvo una carrera con mucho éxito y varias nominaciones más a distintos premios como director de fotografía. Aquí su filmografía:

• The African Queen (1951)
• War and Peace (1956)
• The Vikings (1958)
• Fanny (1961)
• The Prince and the Pauper (1977)
• Death on the Nile (1978)
• Conan the Destroyer (1984)
• Rambo: First Blood Part II (1985)

Además de esta pequeña filmografía, Jack Cardiff trabajó con muchos de los grandes de la historia del cine como Alfred Hitchcock, John Houston o Laurence Oliver. En 1994, la British Society of Cinematographers le concedió el Premio a la Trayectoria Profesional y en 2001 ganó el Óscar honorífico a toda una vida.

Gordon Willis

Nacido en Nueva York en 1931, Willis estuvo estrechamente ligado al cine desde muy pequeño, ya que su padre trabajaba como maquillador en la Warner Bros. Deseaba convertirse en actor, aunque rápidamente cambió su interés por la iluminación y el diseño de escenarios, que luego mutaría en un amor por la fotografía.

Durante la guerra con Corea en los años 50 se unió al Servicio de Fotografía y Cartas, en una unidad dedicada al cine. Allí aprendió durante cuatro años todo sobre cómo hacer películas y, cuando regresó, comenzó a trabajar como asistente de cámara, convirtiéndose en primer cámara más de una década después.

Trabajó filmando una enorme cantidad de comerciales y documentales hasta que, ya en la década del setenta, pasó a trabajar para tres de los más grandes directores de cine de todos los tiempos: Alan Jay Pakula, Francis Ford Coppola y Woody Allen.

Filmografía de Gordon Willis en El Padrino

Podríamos encontrar decenas de obras dignas de un análisis en la filmografía de Gordon Willis (Annie Hall, Zelig, Todos los hombres del presidente, La semilla del diablo…), vamos a analizar qué caracteriza su trabajo en El Padrino, un ejemplo de por qué le llamaban «el príncipe de las tinieblas».

• Luz cenital. Nació en parte como forma de disimular el maquillaje que Marlon Brando tenía para lucir más viejo y porque deja los ojos de Don Corleone casi completamente en penumbras, proyectando una imagen de frialdad, miedo, poder y misterio, cambiando el paradigma de la iluminación.
• La subexposición. En una época en la que todas las películas utilizaban iluminaciones muy amplias que evitaran las sombras casi a toda cosa, Gordon Willis decide darle una identidad visual a la película filmando en las penumbras.
• La iluminación lateral para los rostros. Los personajes nunca muestran su cara entera, pues la otra mitad está oculta en la más profunda oscuridad, una clara alusión al tipo de vida que llevan dentro de la película. El caso más emblemático es el de Michael, con el rostro iluminado cuando está en Italia, alejado de la familia y de su estilo de vida, y se va oscureciendo hasta terminar en las mismas penumbras del rostro de su padre.

Chris Menges

Chris Menges es un cineasta y director de cine inglés. Conocido por su participación como director de fotografía de Los gritos del silencio o La Misión, de Roland Joffé; o Michael Collins de Neil Jordan. Ha trabajado también con otros directores de cine como Stephen Daldry, Jim Sheridan, Ken Loach, Bill Forsyth, Tommy Lee Jones o Sean Penn.

Gracias a su gran talento como director fotográfico, Chris Menges recibió su primera nominación a los BAFTA en 1983 por su trabajo en la película de Bill Forsyth Local Hero, y sólo un año después ganó su primer Óscar por Los gritos del silencio, ambientado en el genocidio en Camboya. Con Roland Joffe ganó su segundo Óscar en 1986 con el drama histórico The Mission.

Algunas de sus obras como director fotográfico

• 1984: Winter Flight; Which Side Are You on?; Los gritos del silencio; Comfort and Joy
• 1985: Marie
• 1986: Walter and June; La misión
• 1987: Shy People
• 1988: Temporada alta
• 1996: Michael Collins
• 1997: The Boxer

Retrato del horror y lo terrible

Su experiencia como documentalista durante la década de los sesenta le proporcionó la oportunidad de asistir al horror de muchas guerras o el Apartheid en Sudáfrica, además de la habilidad de hacer que lo que se viera por el ojo de su cámara pareciese real. Por ello, su estilo es fundamentalmente humano y realista.

Menges es un maestro en el arte de crear ambientes dotados de una gran densidad interior, para lograr un auténtico estado de ánimo continuado que  acerca a los personajes al espectador, generando emociones profundas sobre eventos terribles.

Steven Soderbergh (o Peter Andrews o Mary Ann Bernard)

Al pensar en Steven Soderbergh lo asociamos a la dirección de cine, pero también vierte su talento en otras facetas y se cambia el nombre en los créditos. Es Peter Andrews como director de fotografía (por su padre) y, en ocasiones, Mary Ann Bernard (por su madre) como editor.

¿Por qué? Para adecuarse a las normas del Sindicato de Directores de América y el Sindicato de Guionistas de América, cuando tuvo conflictos por la dirección de fotografía en Traffic y en la edición con Solaris. Además, prefiere que su nombre salga solo una vez en los créditos para que no pierda fuerza.

• Ocean’s Eleven (2001)
• Traffic (2000)
• Contagio (2011)
• Magic Mike (2012)
• Side Effects (2013)
• Che (2008)
• Solaris (2002)

Rodrigo Prieto

Rodrigo Prieto (Ciudad de México, 23 de noviembre de 1965) mostró pasión por el cine y la fotografía desde muy temprana edad, por lo que inició sus estudios en el Centro de Capacitación Cinematográfica de México y en 1996 hizo su primera incursión en el cine comercial con Sobrenatural, de Daniel Gruener.

La trayectoria de Prieto está plagada de obras importantes como Frida, 8 Millas, Alejandro Magno, Los Abrazos Rotos o Argo, ganadora del Óscar a la mejor película, en la que entabló una gran amistad con su director, Ben Affleck.

Su carrera también está ligada a la de su compatriota Alejandro González Iñárritu, además de dirigir la fotografía en Amores Perros, 21 gramos, Babel y Biutiful.

La cima de la carrera de Rodrigo Prieto llegaría con las nominaciones al Óscar por su trabajo como director de fotografía en las películas Brokeback Mountain del director Ang Lee y por sus colaboraciones con Martin Scorsese:

• El Lobo de Wall Street: su principal objetivo era conseguir que las imágenes tuviesen el estilo del cine de finales de los años 80 y comienzos de los 90, que es cuando Prieto salió de la escuela de cine, por lo tanto, tenía muy claro cómo lo tenía que hacer.
• El Silencio: combinó el celuloide y formatos digitales, utilizando cámaras ARRI con lentes Hawk, Zeiss y Angenieux Optimo para pintar paisajes exuberantes y capturar el contenido emocional de la historia.
• El Irlandés: tuvo que utilizar tres cámaras especiales, llamadas informalmente “Hidra”, para rodar las escenas de los actores y poder posteriormente rejuvenecerlos en postproducción. Como la historia transcurre durante varias épocas, para ello tuvo que estudiar cómo Kodak reproducía los colores en los diferentes periodos:
  • Todo el look que transcurre en los años 50 tiene aspecto de rollo de fotos Kodachrome, que eran una emulsión colorida.
  • Después, en los 60, el color cambia a un tipo de rollo Ektachrome que hace que lo que es oscuro se vea más azul verdoso.
  • Y ya en los años 70, cambia a una forma de color que se llama ENR, que da más contraste y quita color.

Erik Messerschmidt

Nacido en 1980, Erik Messerschmidt es un director de fotografía norteamericano, muy ligado a la colaboración con David Fincher. Estudió producción cinematográfica en el Emerson College de Boston, donde se formó como director de fotografía y fue galardonado con una variedad de premios por el documental independiente del cineasta Jeremiah Zagar In a Dream, 2008.

Erik Messerschmidt: los inicios de su carrera en la televisión

Después de mudarse a Los Ángeles, Erik Messerschmidt trabajó como director de fotografía en las exitosas series televisivas Bones, Everybody Hates Chris y Mad Men.

“Mad Men recibió elogios de la crítica por su estilo visual y dirección fotográfica, siendo considerada una de las mejores series de la historia”

Erik Messerschmidt también ha recibido multitud de premios por las series de televisión Fargo, Legion y Raised by Wolves. Además, ha sido nominado al Emmy a la mejor fotografía cinematográfica por Mindhunter.

“La fotografía destaca por la suave incidencia de luz sobre los personajes y las áreas fuertemente subexpuestas”

En la obra de Erik Messerschmidt destaca la paleta de colores, con un aspecto amarillento verdoso, que ayuda a darle espectáculo a la sensación de época. Para ello, utiliza el diseño de producción, el vestuario y los lugares de rodaje, para reforzar la iluminación empleada en el set de rodaje.

La película Mank ha sido la ganadora del Óscar a la Mejor Fotografía, ha sido una película tremendamente exitosa y aclamada por la crítica por la paleta de colores, el vestuario y las localizaciones que elige Erik Messerschmidt y que logran transportar al espectador hasta 1940.

Ron Fricke

Ron Fricke se dio a conocer al mundo como el director de fotografía de Koyaanisqatsi (1982), que más tarde sería una trilogía, junto a Powaqqatsi: Life in transformation (1988) y Naqoyqatsi: Life as war (2002), documentales dirigidos por Godfrey Reggio. Pero son bastantes más los trabajos acometidos por el director norteamericano:

• Atomic Artist (1982)
• Chronos (1985)
• Sacred Site (1986)
• Baraka (1992)
• Samsara (2012)
• Journey of Hanuman (2013)

Como director de fotografía, Ron Fricke otorga un tratamiento excepcional a la luz, las sombras y los colores. Además, es uno de esos casos en los que ya tiene el montaje de la película en la cabeza antes de ponerse a grabar.

Precursor del timelapse

Fue precursor del timelapse, una técnica fotográfica y cinematográfica que consiste en mostrar a cámara rápida motivos o sucesos que generalmente suceden a una velocidad imperceptible para nosotros.

Por eso, es ampliamente usada en documentales de naturaleza para captar el movimiento de las nubes, el crecimiento de las flores, amaneceres, anocheceres, etc. Fricke fue capaz de encajar esta técnica y ensamblarla con imágenes ralentizadas y en tiempo real, lo que hace que los documentales en los que ha participado posean una gran carga lírica.

Gregg Toland

Nacido en 1904, Gregg Toland fue uno de los cineastas estadounidenses más aclamados de la historia. Se destacó por su uso innovador de la iluminación y su enfoque profundo, algo que puso en práctica en películas tan revolucionarias y aclamadas como Ciudadano Kane, de Orson Welles, en 1941.

Ingresó a la industria del cine a los 15 años como empleado de oficina, y más tarde se convirtió en asistente de camarógrafo. Ya para 1929 se destacaba como uno de los artistas más creativos e ingeniosos. Mientras trabajaba para varios estudios, la mayor parte de su trabajo se realizó para la compañía Samuel Goldwyn, que le otorgó una gran libertad creativa.

Toland fue en esa época, uno de los cineastas más buscados de Hollywood. Entre 1936 y 1942, fue nominado cinco veces al Óscar a la mejor Dirección de Fotografía, ganándola solo una vez, en 1939 por Cumbres borrascosas, dirigida por William Wyler.

La técnica de Toland

El arte y la técnica de Toland fueron inventivos e incluso revolucionarios y en muchos casos cambió las reglas del juego:

• Antes de él, se usaba poca profundidad de campo para separar los distintos planos en la pantalla, enfatizando lo que importaba con un foco muy marcado y dejando el resto desenfocado.
• Utilizando una iluminación que generaba sombras visual y dramáticamente tan atractivas como las zonas iluminadas, y luego con la separación del primer plano del fondo, creando un espacio muy profundo en el que mantenía todo enfocado, alcanzando resultados notables y sorprendentes.

El estilo

El estilo de Ciudadano Kane se parece al de Hombres Intrépidos, de John Ford, que Toland filmó en 1940, un año antes que la película de Welles Kane.

• Ambas películas desarrollan una iluminación artificial; los personajes se iluminan en el fondo y caminan por las áreas oscuras hasta el primer plano.
• El uso de la sombra sobre la luz, conocida como iluminación discreta, influyó en lo que luego se conocería como el género del cine negro.
• Demostró variedad en su carrera, por ejemplo con Las uvas de la ira de John Ford, cuyo estilo se inspiró en las fotografías de Dorothea Lange, logrando un aspecto arenoso.

Rico Torres

Rico Torres nació en 1964 en el seno de una familia peruana. Su primer trabajo como fotógrafo amateur fue el encargo de un anuario académico, por lo que se trasladaría a Boston a hacer Comunicación Audiovisual y Cine para luego mudarse a Los Ángeles y probar suerte.

El portfolio de Rico Torres tan solo contenía retratos de amigos y conocidos, pero esas fotografías ya demostraban un alto nivel en el manejo de la cámara y la luz y le sirvió para conseguir un pequeño trabajo en La Máscara.

En esta famosa producción, Rico Torres fue el único fotógrafo encargado de la toma musical y de los retratos de Cameron Díaz y Jim Carrey que adornarían la portada y contraportada de la versión comercial del DVD.

Tras este trabajo, las ofertas empezaron a llegar a montones. Pero si algo marcaría un cambio en su trayectoria profesional sería conocer a Robert Rodríguez y participar en Desesperado. Tras darse cuenta de que Banderas, entre toma y toma, siempre adoptaba una pose característica, escogió que fuera la carátula. Tras esta colaboración, trabajaron en 14 películas juntos.

La fotografía de Sin City no habría sido lo mismo si no se hubiera ocupado de ella Rico Torres. Solo utilizó cinco luces para los retratos-póster de Sin City. Con Bruce Willis, confesó a la prensa, solo tuvo cinco minutos, en los que consiguió capturar la imagen que se convirtió en portada.

Raoul Coutard

Raoul Coutard nació en París en 1924, una época de prosperidad y apertura para las artes, contexto que le ayudó a apostar por su verdadera pasión: la fotografía. Se acabó convirtiendo en un gran referente de la Nouvelle Vague y mano derecha de Godard.

Son muchas las películas donde encontrarás el nombre de Raoul Coutard como director de fotografía. Entre ellas tenemos que destacar las siguientes, por la calidad en el tratamiento de las imágenes:

• Al final de la escapada (1960): en esta cinta Coutard consigue hacer una representación perfecta de los ideales de la Nouvelle Vague. Dirigida por Jean-Luc Godard, en la cinta se narra un romance marcado por un crimen.
• Disparen sobre el pianista (1960): bajo la batuta de François Truffaut, Coutard desarrolla la fotografía de un interesante filme sobre un conciertista de piano con un misterioso pasado.
• El desprecio (1963): de nuevo bajo las órdenes de Godard, Raoul Coutard nos presenta una puesta fotográfica de lo que se conoce como cine dentro del cine. Destacan sobre todo los colores elegidos para cada uno de los momentos del filme. La crítica aclamó la fotografía de esta película.

Destaca por su técnica:

• Marcó un antes y un después a la hora de realizar cine mediante la utilización de cámaras ligeras de Éclair.
• También se interesó por la utilización de fuentes de luz natural, como se puede apreciar en Al final de la escapada.
• Los colores, las luces, todos los elementos jugaban un papel perfectamente pensado para ofrecer un efecto único y distintivo en su trabajo.

Caroline Champetier

Es una directora de fotografía francesa nacida en 1954, que ha trabajado en más de 100 películas desde sus inicios en 1979. También fue presidenta de la Sociedad de Cinematógrafos Franceses (AFC) entre 2009 y 2012. Un cargo desde el que se preocupó de conseguir una mejor situación en el cine francés.

Estos son sus proyectos más emblemáticos.

Of gods and men (2010)

Dirigida por Xavier Beauvois, Of gods and men es sin lugar a dudas el trabajo más significativo de Caroline Champetier como directora de fotografía. Este Proyecto le otorgó el César a mejor dirección fotográfica, el premio Lumières en esa misma candidatura y una nominación en los premios europeos.

Los planos fueron cuidadosamente escogidos por Champetier, en un esfuerzo por mostrar la dificultad que ofrecía el propio argumento. Destaca el colorido, que nos traslada a las tierras de Argelia, donde reina la sequía y el calor. También es importante destacar los contrastes que se presentan en pantalla una vez se introducen los actos terroristas que amenazaron la vida de los monjes.

Holy Motors (2012)

Apenas dos años después del estreno de Of Gods and Men, Champetier trabajó en la fotografía de Holy Motors, una película que nuevamente le conseguiría una nominación a los premios César.

Dirigida por Leos Carax, con quien Champetier tiene una relación profesional estrecha. En esta película se presenta la figura de Mr. Oscar, un hombre que dice trabajar de actor y que encarna diferentes roles a lo largo del día.

Además del premio de fotografía al que estuvo nominada la película, fueron muchas otras las candidaturas que tuvo en diferentes festivales. Por ejemplo, obtuvo 4 galardones en los premios del Festival Internacional de Cine de Chicago. En los César de ese año estuvo nominado en 9 candidaturas.

Las inocentes (2016)

También conocida como Agnus Dei. Bajo la dirección general de Anne Fontaine, esta cinta narra la historia real de unas monjas polacas embarazadas que fueron violadas por las tropas rusas durante la Segunda Guerra Mundial.

El trabajo de Champetier contribuyó en gran medida a la espectacularidad y crudeza de la cinta. Los planos, el color y la propia velocidad del rodaje nos consiguen transmitir a un pasaje nevado donde solo existe violencia y tristeza.

Los críticos aplaudieron esta película, resaltando la pulcritud en lo visual, moral y emocional.  Y es que fue una de las favoritas en diversos festivales de cine, llegando a ganar reconocimientos como el premio FIPRESCI en el Festival Internacional de Valladolid

Caleb Deschanel

Nacido en Filadelfia (Pensilvania) en 1944, se formó en la Universidad del Sur de California, School of Cinematic Arts, donde se graduó en 1968. Durante su etapa universitaria, Caleb Deschanel se unió a un grupo de estudiantes que se hizo llamar The Dirty Dozen, captando la atención de Hollywood. Sería su primer acercamiento profesional a la industria.

Los proyectos más valorados de Caleb Deschanel

Un año después de su debut, Deschanel consiguió ya su primera nominación a Mejor dirección fotográfica en los Óscar. Lo hizo con la película The Right Stuff, una adaptación del libro de Tom Wolfe.

El patriota narra un episodio de la Guerra de Independencia de los Estados Unidos, en la que Deschanel consiguió demostrar su completo dominio de las cámaras con planos complicados, un tratamiento del color único (como el azul crepuscular) y una iluminación que consigue cautivar al espectador.

La pasión de Cristo, los planos, colores, ritmo y cadencia hacen de esta película una obra maestra. Dirigida y protagonizada por Mel Gibson, fue todo un éxito en las salas de cine. Estuvo nominada a los Óscar en tres categorías, dirección de fotografía incluida. Ganó un total de 22 premios cinematográficos.

Mauro Fiore

Mauro Fiore es un importante director de fotografía nacido en Calabria (Italia). Ha trabajado en diversas producciones cinematográficas, pero si hay una que ha conseguido despegar por completo su carrera ha sido Avatar, por la que recibió un Óscar a mejor fotografía por su trabajo.

Avatar es una película rodada casi en su totalidad como live-action, un formato es animado pero con apariencia real. Esto añade dificultad a la dirección fotográfica, ya que lo que se capta a través de las lentes de las cámaras tiene que pasar por un proceso de postproducción. Sin embargo, Fiore tuvo en cuenta la iluminación para integrar esos elementos posteriormente.

Robert Elswit

Robert Christopher Elswit es un veterano de la profesión. Natural de Estados Unidos, es la mano derecha del director y productor Paul Thomas Anderson, se ha encargado de la dirección fotográfica de todas y cada una de las películas de Anderson.

Si por algo destaca la fotografía de Robert Elswit, es por ser original. No encontrarás un estilo comercial en sus planos, ni tampoco temáticas convencionales. Elswit es uno de los representantes de la fotografía de autor en el mundo cinematográfico de Hollywood.

Pozos de ambición

Pozos de Ambición merece un especial reconocimiento, fue esta cinta la que le concedió a Elswit un Óscar por la mejor dirección fotográfica. Narra la historia de un empresario obsesionado por hacerse millonario a través de explotaciones petroleras en los Estados Unidos del siglo XX.

Destaca la secuencia del fuego. Un conjunto de escenas donde vemos una transformación fotográfica donde los colores y los planos toman el poder del transcurso de la acción. Un conjunto de ocho minutos donde, sin apenas diálogo, las imágenes hablan por sí solas.

Allen Daviau

Nacido en 1947 en Nueva Orleans, Allen Daviau arrancó su carrera profesional en 1967, momento en que empezó a fotografiar vídeos musicales. Sería solo el comienzo de una prometedora trayectoria ligada a los más grandes del cine, en especial, el director Steven Spielberg.

La mirada experta de Daviau le permitió aportar un toque profundo y naturalista a los filmes más intimistas del director estadounidense. Su predilección por los tonos dorados y morados hicieron inconfundible su trabajo a lo largo de cintas como E.T. el Extraterrestre (1982), El color púrpura (1985) y El imperio del sol (1987), las tres de Spielberg.

El último de sus trabajos más representativos fue Van Helsing: cazador de monstruos (2004), donde consagró sus técnicas en una propuesta fantástica muy diferente a lo antes conocido.

Estilo

Aunque no existe un patrón concreto, sí podemos definir una serie de cuestiones que se presentan como características propias de Daviau:

• Potencia del color en tonos púrpuras y dorados
• Gran dominio de la ambientación lumínica y del color para crear misterio
• Gran capacidad de elección de los planos para situar la acción como prioritaria, sin caer en el centralismo del plano.
• Variación en el uso de cámaras para una misma cinta.

Emmanuel Lubezki

Nacido en Ciudad de México en 1962, Emmanuel Lubezki es productor y director de cine y uno de los grandes exponentes de la dirección fotográfica de los siglos XX y XXI. Sus obras, reconocidas y aclamadas internacionalmente, son referentes absolutos del séptimo arte.

Estudió historia y cinematografía en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Nacional Autónoma de México, junto con otro gran exponente del cine latinoamericano, como es el director de cine Alfonso Cuarón, ganador de dos premios de la Academia como mejor director por las películas Gravity (2014) y Roma (2019), de quien también es amigo desde la infancia.

Sus tres Óscars

Antes de ganar las tres estatuillas, Lubezki ya había sido nominado en hasta cinco ocasiones para hacerse con el Óscar a mejor dirección de fotografía por las películas La princesita (1995), Sleepy Hollow (1999), El nuevo mundo (2005), Children of Men (2006) y The tree of life (2011).

Las películas con las que conseguiría finalmente sus tres Óscars son:

Gravity 

• Las sombras se presentan profundas y el contraste muy alto, incluso llegando a alcanzar lugares de iluminación total donde casi no hay detalles.
• La cámara se mueve constantemente de forma lenta, como si también estuviera flotando en la inmensidad del cosmos.
• Los objetivos angulares generan una intimidad que a la postre resulta fundamental para que la película funcione como lo hace.
• Todos los planos son secuenciales, gracias a ellos nos mantenemos expectantes todo el tiempo, sin abandonar la escena ni siquiera después de 15 o 20 minutos.

Birdman

• Los travelling están presentes en toda la película, acompañando siempre a quien tenga el habla o reaccione de forma importante para la historia.
• Se repiten los planos secuencia. En algunos casos se llega incluso a presentar, desarrollar y cerrar un acontecimiento en una sola toma.
• Saltos espacio-temporales que Lubezki lleva a cabo con destacada maestría.
• Aparte de los travellings, la cámara también se mueve dentro de tomas estáticas, pasando de planos generales a primeros planos de forma habitual.

El Renacido

• Solo utilizó la iluminación natural del sol y las hogueras. Esto resulta increíblemente complejo, sobre todo si consideramos las condiciones climáticas.
• La utilización de lentes de gran angular ofrecen una experiencia inmersiva al espectador.
• Empleó tres métodos de filmación (grúa, cámara en mano y Steadicam) para secuenciar las imágenes de forma casi coreográfica.
• Planos muy largos. Técnica compleja, con la escasa cantidad de horas de luz que había.

John Seale

John Seale nació en Australia en 1942 y lleva trabajando como director de fotografía desde 1966. Podría considerarse ya todo un veterano de la profesión que ha ido creciendo con ella poco a poco. Y es que su estupendo trabajo con las cámaras ha hecho que lo nominaran al Óscar a mejor fotografía en varias ocasiones:

• Witness (1985)
• Rain Man (1988)
• El Paciente Inglés (1996)
• Cold Mountain (2003)

De todas ellas, solo la película El Paciente Inglés le hizo ganar la tan ansiada estatuilla. Pero además de las películas reconocidas por la crítica, Seale se ha encargado de la dirección fotográfica de filmes de verdadero éxito internacional como los siguientes:

• El club de los poetas muertos (1989)
• Harry Potter y la piedra filosofal (2001)
• Mad Max: Fury Road (2015)

El juego de sombras en El Paciente Inglés

A lo largo de la película podemos apreciar la predilección de John Seale por las sombras. Ya sea a plena luz del día, reflejadas en las dunas, o en medio de la oscuridad, con iluminaciones puntuales en cuartos oscuros, el director aprovecha este recurso para dotar, una vez más, de belleza a los planos elegidos.

Los colores en Mad Max: Fury Road

La calidez es inevitable cuando hablamos de parajes desérticos, donde transcurre la mayor parte de la acción. Así, todo el filme está grabado en un ambiente cálido que se fusiona con la extrema violencia que narra el argumento.

No obstante, también nos encontramos con partes mucho más frías. El recurso es conocido como la noche americana, una grabación que se realiza durante el día pero que en postproducción se tiñe de un azul muy intenso para que parezca de noche.

Roger Deakins

Roger Deakins nació en el condado inglés de Torquay, en Devon. Poco después de graduarse, descubrió que le gustaba estar detrás de una cámara de filmación. Su trabajo como camarógrafo lo llevó a trabajar en la producción de documentales en varios lugares durante unos siete años.

La Sociedad Estadounidense de Cinematógrafos (ASC) le dio su primer reconocimiento por Cadena perpetua, un trabajo elogiado en todo el mundo. Además, esta película le valió a Deakins su primera nominación al Óscar. La ASC continuó premiando a Deakins por sus trabajos, que incluyeron Fargo, Oh, Brother! y El hombre que nunca estuvo allí.

En el año 2008, Roger Deakins se convirtió en el primer director de fotografía en ser nominado a Óscar por su trabajo en dos películas diferentes (no ganó ninguno de ellos):

• No es país para viejos
• El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford.

Finalmente, Deakins ganaría el Óscar por su trabajo como director de fotografía en Blade Runner 2049.

Rachel Morrison

Nacida en Cambridge, Massachusetts, siempre sintió fascinación por la fotografia y el cine, así que cuando decidió ingresar en la Universidad de Nueva York lo hizo para estudiar una doble especialización que las combinaba. Se graduó con una Maestría en Bellas Artes en 2006.

Rachel Morrison comienza su andadura por el séptimo arte en el mundo independiente, con películas como Sound of my voice (2011) o la destacada Fruitvale Station (2013), que recibió el Premio del Público y el Gran Premio del Jurado a la Mejor Película en el Sundance Film Festival.

Mudbound

Por su trabajo en Mudbound, Rachel Morrison se convirtió en la primera mujer en formar parte de las nominaciones al Óscar 2018 por mejor fotografía, pero ese año se lo acabó llevando Roger Deakins.

«Saber que en Hollywood es difícil entrar si eres mujer no me detuvo. Al revés, lo hizo más atractivo. Fue un reto, hacer algo que no esperan de ti»

Filmada en unos perfectos colores terrosos, la fotografía de esta Mudbound resalta la discriminación racial:

• Mientras la familia negra (los Jackson) vive a la luz de las velas, la familia blanca (los McAllan) disfruta de electricidad
• La paleta de colores es distinta para unos y otros (tonos marrones y verdes para los Jackson, y tonos más pasteles para los McAllan).

Las tomas dedicadas a la II Guerra Mundial cuentan con su propia imagen, de marcados tonos marrones y verde militar.

Haskell Wexler

Wexler nació en el seno de una familia rica judía de Chicago en 1922. Durante cuatro años formó parte de la Marina Mercante, desde 1941 hasta 1946, donde obtuvo una condecoración por haber sobrevivido al ataque y hundimiento de su barco por parte de un submarino alemán.

Tras recibir el alta en 1946, y pasar un breve tiempo trabajando junto a su padre, decidió que quería convertirse en cineasta.

Tras el cierre de su estudio en 1947, Wexler consiguió un trabajo como asistente de cámara. Desarrolló, en este puesto, todo tipo de proyectos, desde docu-dramas y cortos hasta documentales y publicidades.

Así pasaría más de una década, hasta que en 1963, Wexler decide autofinanciarse, producir y dirigir la fotografía de The Bus, un documental sobre freedom riders, activistas de los derechos civiles que viajaban en buses interestatales hacia el sur estadounidense, todavía segregado, para reclamar por el cumplimiento de las decisiones de la Corte Suprema.

Óscars de Haskell Wexler

Ese mismo año formó su primera producción de gran presupuesto: América, América que fue nominado a los Óscar como mejor director. Poco después, se hizo con la estatuilla como Mejor Director de Fotografía por la película ¿Quién teme a Virginia Wolf?, en la que participó Elizabeth Taylor.

En 1976, Haskell Wexler filmó la película que le merecería su segundo Óscar, Esta tierra es mi tierra, una película biográfica del cantante folk Woody Guthrie en color desaturado. Se utilizó por primera vez la Steadicam.

Luciano Tovoli

Nacido el 30 de octubre de 1936 en Massa Marittima (Italia), se trata un director de fotografía y realizador responsable de la imagen de cerca de 100 películas. Entre sus trabajos destacan las colaboraciones con cineastas de la talla de Michelangelo Antonioni, Dario Argento, Ettole Scola, Barbet Schroeder o Julie Taymor.

Además de su trabajo detrás de las cámaras, Tovoli también ha desempeñado una importante labor para vincular las asociaciones de cinematógrafos europeos, fundando en 1992 IMAGO (Federación Internacional de Cinematógrafos) que actualmente comprende 56 sociedades cinematográficas de todo el mundo.

Los inicios (1956-1969)

Comenzó estudiando lenguas en Pisa, pero su pasión por la imagen lo llevó a Roma, donde se graduó en dirección de fotografía en el Centro Sperimentale di Cinematografía (1956-1958). Debutó en 1960 con Banditi a Orgosolo de Vittorio De Seta, una obra que destacó por su fotografía en blanco y negro y le valió premios en Venecia y del Sindicato Nacional de Periodistas de Cine.

Director de fotografía internacional (años 70)

Durante los años setenta, Tovoli consolidó su carrera en Italia y Francia con títulos como Pane e cioccolata (1974) y Mordi e fuggi (1974). Su primera colaboración con Michelangelo Antonioni llegó con Professione: reporter (1975), protagonizada por Jack Nicholson, que le otorgó reconocimiento internacional.

Los 70 y los 80: innovación y consagración

En esta etapa trabajó con directores como Marco Ferreri, Luigi Comencini y Valerio Zurlini, pero su obra más icónica fue Suspiria (1977) de Dario Argento, donde revolucionó el uso del color en el cine de terror.

En los 80 volvió a colaborar con Antonioni en Il Mistero di Oberwald (1981) y con Argento en Tenebrae (1982). También trabajó con Ettore Scola en Splendor y Che ora è? (1989), obteniendo premios por su fotografía y debutando como director en Il generale dell’armata morta (1983).

Los 90: salto a Hollywood

En los años noventa, Tovoli trabajó en Hollywood con Barbet Schroeder en títulos como Reversal of Fortune (1990) y Single White Female (1992), además de colaborar con Ettore Scola en Il viaggio di Capitan Fracassa (1990), por el que ganó el David di Donatello. Cerró la década con Titus (1999), donde aplicó un estilo expresionista que le valió el Premio Da Vinci.

Del 2000 hasta la actualidad

En el nuevo milenio, Tovoli continuó trabajando con Schroeder (Murder by Numbers, 2002) y participó en proyectos italianos y franceses, incluyendo el documental Océanos (2009), nominado por su fotografía. Su legado como maestro de la luz y el color sigue vigente en el cine contemporáneo.

Anthony Dod Mantle

Anthony Dod Mantle nació en Inglaterra en 1955. Después de formarse en el London College of Printing, se especializó en fotografía en 1984. Después se mudó a Dinamarca, donde estudió en la Den Danske Filmskole en 1989.

Artista con una obra fílmica extensísima, podemos destacar las siguientes películas:

• 28 días después
• 127 horas
• Slumdog Millionaire, con la que ganó el premio Óscar y BAFTA a la mejor fotografía.

Estilo de cine apocalíptico

Si hay algo por lo que destaca la extensísima creación fotográfica digital de Anthony es por sus imágenes visuales terroríficas, logrando crear así un cine apocalíptico.

Es un director de fotografía muy audaz, pues arriesga probando con formatos como MiniDV. Otras herramientas que utiliza son los filtros ND para minimizar la profundidad de campo, aparentemente infinita de DV, o recurrir a los rodajes nocturnos para evitar la presencia de luces: esto refuerza la sensación de cine apocalíptico. 

En películas como 28 días después, en la fotografía busca los increíbles contrastes entre las escenas interiores y nocturnas terroríficas, sin luz, y las escenas diurnas con un exceso de claridad, contraste para los que emplea estos trucos:

• Grandes HMI: Utiliza como focos o como linterna grandes HMI, para iluminar a Cillian Murphy y al resto de actores del elenco, pasando la luz a través de las finas sedas. Esto consigue un realce de contraste entre las caras de los actores, simulando de forma natural la tenue luz de la luna en la noche.
• Diafragma de subexposición: Utiliza diferentes aperturas de diafragma, especialmente bajos, variando entre uno o dos diafragmas de subexposición, pero llegando en la imagen final de cuatro a siete diafragmas hacia abajo.
• Filtros de plástico: Emplea plásticos quemados y deformados como filtro de cámara para sus escenas a lo largo del rodaje. Con esta técnica audaz consigue una dimensión degradada, pero solo ligeramente.

Rob Hardy

Rob Hardy nació en Londres y asistió a la Escuela de Cine de Newport, se licenció en la Universidad de Sheffield Hallam donde se especializó en cinematografía. Con el paso del tiempo comenzó a grabar videos musicales, además de realizar  trabajos para compañías de teatro antes de hacer la transición como director de fotografía para comerciales. 

• Su primer logro ocurrió cuando se especializó como director de fotografía para John Crowley’s Chico protagonizando a Andrew Garfield quien le ganó el Premio BAFTA a la mejor fotografía e iluminación.
• En el año 2015, Hardy realizó uno de sus trabajos como director de fotografía para Ex machina el cual marcó su primera colaboración con Alex Garland. Las primeras discusiones con Garland surgieron principalmente de impulsar la pequeña naturaleza de la película a una escala mucho mayor.
• Uno de sus mayores éxitos fue la dirección de fotografía en Euphoria, una película dramática, escrita y dirigida por Lisa Langseth​ ey protagonizada por Alicia Vikander y Eva Green. Fue exhibida en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2017.

Charlotte Bruus Christensen

Charlotte Bruus Christensen nació en 1978 en Dinamarca. Después de completar su formación en la National Film and Television School en 2004 regresó a Dinamarca, donde se lanzó de lleno a completar un proyecto. Escribió, dirigió y filmó Between Us, un corto cinematográfico que le sirvió para arrancar su carrera profesional.

En 2010, empezó a trabajar con el director de cine Thomas Vinterberg y lanzaron la película dramática Submarino. Una cinta oscura y pausada, donde la fotografía se funde con la niebla y los tonos grises propios de Dinamarca. Pero el trabajo que verdaderamente le puso en escena fue su segunda colaboración con Vinterberg: The Hunt (La caza)

Para ella, esta directora de fotografía apuesta por el dramatismo de diferentes planos detalles que consiguen potenciar la interpretación del actor principal. El color y la iluminación se adaptan al tipo de escena, mostrando calidez o frío según las necesidades narrativas de guion.

Entre los premios ganados podemos destacar los siguientes:

• Festival de Cine de Cannes: película ganadora de tres premios, incluyendo mejor fotografía.
• European Film Awards: ganadora en la categoría de guion.
• Bodil Awards: ganadora en las categorías de mejor película y mejor actor.
• Robert Award: ganadorea de 5 categorías fílmicas.
• Vancouver International Film Festival: ganadora del premio del público.

También participó en grandes proyectos, como Life (2015), La chica del tren (2016), Fences (2016) y Molly’s Game (2017) que consolidaron su carrera en el cine comercial.

Natasha Brier

En 2006 llegó el momento más esperado en la carrera profesional de Natasha Brier: su primera participación en un proyecto para cine. Brier se inició como directora de fotografía para la película Glue, un largometraje dirigido por Alexis dos Santos. 

A nivel de dirección fotográfica vemos un ritmo acelerado de planos que encajan a la perfección con el propio argumento de la historia, colores saturados y cálidos que refuerzan el escenario donde transcurre la película.

Desde entonces, participó en otros proyectos como En la ciudad de Sylvia (2007) o La teta asustada (2009). Uno de sus últimos trabajos  fue The Neon Demon (2016), un filme que coronó a Natasha Brier como una de las directoras de fotografía más influyentes de los últimos años.

En esta película vemos una explosión del estilo de Natasha Brier. La temática, junto con el título del filme, nos acerca el uso de los tonos neón, en una fusión de luces con la oscuridad. Para muchos, una metáfora sobre los secretos que oculta la gran industria de la moda.

Freddie Francis

Freddie Francis nació en Londres en 1917, antes de interesarse por el mundo del cine se formó como ingeniero. Tras realizar prácticas en estudios de fotografía encontró trabajo en los conocidos estudios Elstree.

Trabajó con John Huston en Moulin Rouge hasta que, en 1956, se estrenó en dirección de fotografía con A hill in Korea, de Julian Amyes, y con un joven Michael Caine entre el reparto.

En los años sesenta dio el salto a la realización cinematográfica, donde triunfó con una producción de Hammer, Paranoiac. Además, cosechó éxitos en una serie de filmes, entre ellos, La maldición de la calavera, The Psychopath y The Creeping Flesh, con Peter Cushing y Christopher Lee entre sus protagonistas.

Con el paso de los años y tras su ascenso profesional, llegó a dirigir la segunda unidad de Pasión en la selva (1947), de Zoltán Korda. Dotado excepcionalmente para la fotografía cinematográfica, la fama de Francis creció en la industria británica y llegó a ser uno de los más cotizados directores de fotografía del momento.

The Innocents es una de sus mayores obras. Está calificado por numerosos críticos como sobresaliente en fotografía en blanco y negro gracias a las instantáneas inigualables de Freddie Francis. Considerado uno de los grandes clásicos del cine de terror, en el que se inspiró Alejandro Amenábar para crear su tan premiada Los otros (2001).

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No se puede entender la historia del cine sin el poder de los directores de la fotografía que la hicieron grandiosa, con clásicos y estrenos que siguen dejando al espectador de piedra.

Muchos emprendieron una carrera autodidacta, pero la mayoría optaron por una formación técnica y práctica que les facilitara la entrada a la profesión.

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